O realizador Duncan Jones  está de regresso à ficção científica com Mute, filme que nos leva até à  cidade de Berlim, 40 anos no futuro- É aí que um barman mudo, interpretado por Alexander Skarsgard (da minissérie Big Little Lies), segue numa jornada pela cidade adentro à procura de dois cirurgiões (Paul Rudd e Justin Theroux), os quais poderão ter pistas sobre a sua namorada (Seyneb Saleh) desaparecida.

Consta que Sam Rockwell, protagonista de Moon e possível vencedor do Óscar de Melhor Actor Secundário graças ao desempenho em Three Billboards Outside Ebbing, Missouri, terá uma pequena participação em Mute, que tem sido descrito como o Casablanca do sci-fy.

Recorde-se que o realizador (e filho do músico David Bowie) confirmou que esta sua nova obra é o segundo filme de uma trilogia que iniciou com Moon: O Outro Lado da Lua, o primeiro trabalho de Jones e até à data o seu mais aclamado.

Mute estreia na Netflix a 23 de Fevereiro.

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FESTin regressa a Lisboa com a promessa de mais e melhor cinema lusófono. O 9º Festival Itinerante da Língua Portuguesa decorrerá entre 27 de Fevereiro e 6 de Março, tendo como espaço, como já é habitual, o cinema São Jorge, em Lisboa.

Vazante, uma das obras brasileiras mais badaladas de 2017, será um dos destaques da Seleção Oficial. Esta coprodução da Ukbar apresentada no Festival de Berlim nos transportará ao Brasil do século XIX, nos meandros da escravatura e com reflexo profundo na consciência colonialista. Com direção de Daniela Thomas, habitual colaboradora de Walter Salles (Terra Estrangeira, A Linha de Passe), Vazante contará com Adriano Carvalho e Sandra Corveloni nos papeis principais.

Continuando nas produções lusitanas, o FESTin apresentará ainda a nova longa-metragem do produtor/realizador Fernando Vendrell, Aparição, onde os actores Jaime Freitas e Victoria Guerra viverão um apelidado “romance dentro de um romance” numa Evola da década de 50. Psicologia e catarses nas favelas do Rio de Janeiro com Praças Paris, um filme de Lucia Murat com a participação de Joana de Verona e por fim, o independente Uma Vida Sublime, completam o quarteto nacional nesta competição.

Quanto ao cinema brasileira, que tem sido uma das grandes forças deste festival, pretende continuar a revelar a sua diversidade produtiva e sobretudo engenho narrativo. A realizadora de O Bicho de Sete Cabeças e Chega de Saudade, Laís Bodansky regressa ao cinema com Como Nossos Pais, um drama intimista que teve estreia na secção Panorama da Berlinale, e que será a abertura deste nono ano de FESTin. A amizade secreta de As Duas Irenes, de Fábio Meira, promete “arrasar-corações” e Açúcar, de Sérgio Oliveira, atualmente em estreia no Festival de Roterdão, são alguns dos destaques da programação.

O português poderá ser a língua oficial do FESTin, mas não é a exclusiva. O latim, esse idioma ancestral do português, será ponto de partida para esta nova secção paralela “Mostra Latim - A Língua em Movimento”, onde serão exibidos  uma série de obras vindas de países com língua neolatina, tais como Espanha, Cuba, França, Itália e Roménia. Como grande atração, pela primeira vez em Portugal, Vaticano será representado em filme com O Menor Exército do Mundo, um premiado documentário estreado no Festival de Veneza.

Este ano, o FESTin contará com duas importantes parcerias, a 4ª edição do Guiões – Festival de Roteiros de Língua Portuguesa, que irá decorrer no âmbito do festival entre os dias 2, 3 e 4 de março, e o Lusophone Film Fest, evento que levará produções em língua portuguesa a vários lugares do mundo – incluindo sessões em Nairóbi (Quénia), Zanzibar (Tanzânia), Bangkok (Tailândia), Sydney (Austrália), Phnom Penh (Camboja) e Macau (China).

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Duelos de talentos em linhas invisíveis!

Paul Thomas Anderson, assim como James Gray, integram uma geração de realizadores que formam uma nova fasquia autoral em Hollywood. Possivelmente, os seus trabalhos são encarados como eventos cinematográficos, induzindo e seduzindo o espectador numa prolongada mescla de referências. É certo que nada de novo nasce nestes dois nomes, nem eles têm a ambição de “queimar livros”, ou de forjar novas direções da sua cinefilia. Nesse sentido, Paul Thomas Anderson destaca-se de Gray pela sua passivo-agressividade, a sua relação de Cinema que consegue ser mais dimensional e pouco romântica que o referido realizador de We Own The Night. Poderá ser heresia da minha parte a seguinte afirmação, mas PTA (carinhosamente siglado) rompe as próprias limitações de Gray, sobretudo por não se restringir somente a “bonitos planos” ou a invocações esclavagistas de uma Hollywood perdida, existe uma ênfase na visão do realizador de There Will Be Blood e de Magnólia, provavelmente a materialização de universos distintos, sem um fio evidente de interligação de autoridade artística.

Em Phantom Thread (A Linha Fantasma) somos enquadrados numa das suas obras mais insonsas, é bem verdade, mas nem por isso desmerecedor do seu próprio panorama. É a continuação do conto de personagens-fantasmas, figuras reféns de uma aura invisível, vidas passadas ou espectros invocados de forma a reincarnar todo o circulo social do filme. Aqui, um misantropo estilista de alta-linha, Reynolds Woodcock, encontra por fim a sua musa, uma “saloia” que detém as chamadas “linhas perfeitas”, Alma. Ele acolhe-a na sua casa com todo o “carinho” possível vindo da sua pessoa, porém, a correspondência é de certa forma desleal. Do lado dela, uma obsessão amorosa que tenta sobretudo estender a aura artística de Woodcock, de uma forma possessiva e quem sabe, romanticamente impossível. Neste jogo de relações, que vai preenchendo a espaços o então ritualista quotidiano de Reynolds, é possível encontrar uma terceira personagem, que até certo ponto é invisível aos nossos olhos, mas visível à nossa perceção. Trata-se de um fantasma, não no sentido paranormal, mas ilusório, que vagueia pela casa do protagonista. Uma entidade matriarcal que soa como a sua mais perfeita harmonia.

Revela-se em toda esta habitação de Woodcock uma alusão a Manderley e o dito espectro inspirador numa Rebecca. Alma assume então esse propósito de personagem-modelo perante os mortos não exorcizados, sem saber que com isto funde um estranho triangulo amoroso. Possivelmente, a obra de Hitchcock está envolvida como a mais terna referência de PTA para transpor esse amour fou em voga (e por não, a existência de um toque sirkeano, provavelmente ditado de um Interlude). Infelizmente, Daniel Day-Lewis colabora mais uma vez com o realizador, o que até certo ponto afunila toda a atenção da fita para a sua pessoa (se não fosse esta a sua promovida última aparição no grande ecrã).

É certo que o mais célebre dos atores de método da atualidade embica numa interpretação mais meta-fílmica que fílmica (é sabido que Day-Lewis aprendeu a “costurar” como ninguém de forma a incorporar tal personificação), mas o que encontramos nesta nova colaboração entre actor e realizador é um duelo entre cavalheiros. E isto porque testemunhamos, tal como referi, a um actor necessitado de atenção em cada frame, contra um homem que pretende fecundar um filme coerente sem limitá-lo ao formato “filme de actor”. Este mesmo “braço de ferro”, um à frente das câmaras, o outro por detrás (existe uma linha invisível que os separa), motiva a um dinamismo interno que, por sua vez, insurge-se contra a passividade evidente. Todavia, o braço-de-ferro é também ele desigual. PTA conta com uma aliada, a actriz Vicky Krieps, a Alma e a alma do filme. Ela é a verdadeira ameaça para a omnipresença de Day-Lewis, se não fosse também um elemento-chave para todo o desencadear da constante desintegração cíclica que compõe a narrativa.

Assim sendo, Phantom Thread remete-nos a assombrações atrás de assombrações para nos conduzir a essa extinção quotidiana, tal como o “romance” aqui imposto, onde a queda nos transporta ao apogeu. Por outras palavras, é sobre a natureza insípida que o novo filme de PTA vai-se construído, camadas sob camadas, como se de uma defesa de anticorpos se tratasse, até atingir o seu derradeiro pico (que igualmente funciona como um anticlímax do seu enredo). Aí a sua força torna-se evidente, a envolvência da sua atmosfera (com a fotografia do próprio realizador) que nos faz reféns. Como foi bom reencontrar-te Paul Thomas Anderson! Até uma próxima visita.

Real.: Paul Thomas Anderson / Int.: Daniel Day-Lewis, Vicky Krieps, Lesley Manville

Um filme de Hitchcock ou de Selznick?

Apesar de oriundo da indústria britânica, Alfred Hitchcock era durante muito tempo um interessado observador do sistema de Hollywood e da sua respectiva manufacturação. A sua chegada ao Novo Mundo em 1939 (de forma a evitar a queda/inexistência de uma indústria inglesa) levou-o a embarcar num dos maiores desafios da sua vida profissional. Não a estreia num circuito cinematográfico, que não lhe era de todo estranho, mas a emancipação num processo de criação tão dependente por terceiros que era Hollywood. Como primeira ofensiva, Hitchcock decide adaptar o célebre livro de Daphne Du Maurier, Rebecca, e para tal recorre ao produtor David O. Selznick, que na altura encontrava-se a colher os frutos da promoção e sucesso de Gone with the Wind (E Tudo o Vento Levou). Hitchcock escreveu o argumento, mas foi automaticamente recusado pelo produtor. Contudo, isto não foi o fim e a colaboração continuou.

O chamado processo de colaboração entre os dois, foi de tudo menos harmonioso. O britânico, ansioso pela sua liberdade teria que se confrontar com um produtor possante e casmurro na sua execução. Se E Tudo o Vento Levou foi uma produção difícil, nada facilitada por Selznick, que segundo consta, pretendia controlar o mais ínfimo pormenor do filme (relembramos que as aventuras e desventuras de Scarlett O'Hara passaram por mais de sete realizadores e só um mereceu o seu nome creditado no espaço de "directed by"), já Rebecca foi um prolongado braço-de-ferro, quer pela dominância da rodagem, quer pela perpetuação de um estilo. O produtor era muito dado a adaptações de nutra fidelidade, à exposição de página para o frame e pelos diálogos extraídos na sua integralidade, por outro lado, Hitchcock aprendera a aperfeiçoar o efeito-sugestão, algo que havia adquirido dos seus "estudos" do expressionismo alemão e das primeiras passadas deste para o sonoro (M, de Fritz Lang, por exemplo, é uma das grandes influências do "mestre do suspense").

Rebecca consolidou esses dois mundos em plena confrontação. No campo de Hitchcock é visível, ou na melhor das hipóteses, invisível, um espectro que percorre todo o percurso matrimonial da protagonista, Mrs. Winter (Joan Fontaine), que se apercebe, gradualmente, de estar a integrar um lugar anteriormente ocupado pela mulher do título. A Rebecca assume-se como um fantasma, um mistério que por sua vez dissolve como uma capa ilusória, essa sugestão que poderíamos aproveitar das "garras" de Hitchcock (o relógio, o olhar suspeito e frio de Mrs. Danvers, o cão que tenta ir para "sabe-se lá onde"). Do outro lado, a sensibilidade feminina encontrada no cinema de Selznick, a evolução da sua protagonista, os embates psicológicos entre mulheres em terreno salobro, os "palacetes", neste caso a mansão Manderley, a servir mais do que um cenário, uma personagem extraída da sua omnipresença (esta mansão iria mais tarde inspirar Orson Welles na concepção da sua Xanadu em Citizen Kane).

Estes dois mundos fecundam uma obra gótica, ingenuamente romântica e sob uma distorcida esquizofrenia moral. Se por um lado, existe aquela dualidade de estilo que cede a malabarismos autorais, a psicologia das personagens torna-se também ele num terreno fértil para essas disputas. É visível a moralidade de Hitchcock, a "culpa" como signo da sua filmografia, divinamente representada nos últimos momentos em que a governanta, Mrs. Danvers (Judith Anderson), reduz a cinzas o "assombrado" imóvel como um delirante acto de redenção com a sua não assumida culpa (uma sequência que faz paralelismo com o incêndio de Atlanta em Gone with the Wind).

Contudo, do outro lado, a imoralidade que nos leva à ambiguidade da trama, neste caso o marido (Laurence Olivier), assombrado por esses mesmos fantasmas da culpa, no qual é lhe cedido a oportunidade do tremendo happy ending em letras garrafais. É de recordar que no anterior Gone with the Wind, Scarlett O'Hara (Viven Leigh) convertia-se numa das primeiras anti-heroínas do cinema clássico através de atos questionáveis que, contra a corrente, nos levavam a uma certa compaixão. O'Hara evitava os maneirismos e o evidente maniqueísmo moralizador da época através de uma exposição das suas motivações ("As God is my witness, as God is my witness they're not going to lick me. I'm going to live through this and when it's all over, I'll never be hungry again. No, nor any of my folk. If I have to lie, steal, cheat or kill. As God is my witness, I'll never be hungry again"). Em Rebecca, Laurence Olivier confessa o seu pecado, o involuntário crime que o atormentou, a partir dali o espectador sabe que a sua sentença é inevitável… O mesmo que acolhe pelo seu castigo, é o mesmo que deseja a sua absolvição, essa, conseguida através do mais repentino Deus Ex Machina, o save by the bell que nos guiará à auto-destruição do culpado seguinte. E assim, chegamos a um outro "carrasco", Hitchcock, na sequência anteriormente referida.

Rebecca foi assim um sucesso imediato, e galardoado com dois Óscares da Academia, incluindo o de Melhor Filme (o segundo ano consecutivo para David O' Selznick). Quanto a Hitchcock, ficou-se pela nomeação de Realizador (esse ano a estatueta seguiu para John Ford e o seu Grapes of Wrath). Hitchcock iria ser nomeado por mais quatro vezes sem resultados satisfatórios. Mas para o britânico, Rebecca é a vitória tremenda de um "estrangeiro" dando os primeiros passos em Hollywood, conseguindo vencer produtores megalómanos e tornando-se num nome relevante na indústria. Tornaria a colaborar com Selznick por mais duas vezes (Spellbound e Paradine Case), mais confiante e vincado no seu próprio estilo.

Até hoje, por mais legado que Rebecca esteja do seu nome, o filme orquestrou como um prova de ambição, a sua autoria esteve dividida por quatro mãos em constante conflito. Mas nada que evite a obra de ser o memorável labirinto gótico, aquela história de obsessão, medo, e de desconforto, vencido pela ingenuidade do seu amor. Numa Hollywood que acredita em romances, Rebecca era um dos seus grandes trunfos.

Real.: Alfred Hitchcock / Int.: Laurence Olivier, Joan Fontaine, George Sanders, Judith Anderson, Reginald Denny, C. Aubrey Smith, Nigel Bruce

Foi revelado o trailer da sequela de Deep Blue Sea (Perigo no Oceano), o filme de Renny Harlin datado de 1999, que nos remetia a tubarões inteligentes criados em laboratório. Hoje convertido a um certo culto, a obra protagonizada por Thomas Jane e Saffron Burrows, ficou notória pela icónica morte da personagem interpretada por Samuel L. Jackson, dilacerado por um tubarão logo após um discurso heroico.

Esta continuação contará com direção de Darin Scott (Dark House, Caught Up) e os desempenhos de Danielle Savre, Rob Mayes e Darron Meyers. Deep Blue Sea 2 chegará, possivelmente ao mercado home-video, VOD e streaming, a julho deste ano.

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As jovens atrizes Chloë Grace Moretz e Sasha Lane (a estrela de American Honey, de Andrea Arnold), foram as protagonista desta edição deste ano no Festival de Sundance. O filme em que protagonizam, The Miseducation of Cameron Post, sob a direção de Desiree Akhavan, vence o principal prémio. À imagem do ano passado, o Júri e Público não estiveram de acordo, sendo que as audiências elegeram Search, de Aneesh Chaganty, um thriller cujo o desktop de um computador serve como dispositivo narrativo. John Cho e Debra Messing protagonizam a obra.

Grande Prémio do Júri (Ficção / Drama)

The Miseducation of Cameron Post

Grande Prémio do Júri (Documentário)

Kailash

Melhor Realizador (Documentário)

Alexandria Bombach, por On Her Shoulder

Melhor Realizador (Ficção / Drama)

Sara Colangelo, por The Kindergarten Teacher

Prémio Especial de Júri por Melhor Interpretação (Ficção / Drama)

Benjamin Dickey, em Blaze

Prémio Especial de Júri por Excelência na Realização (Ficção / Drama)

Reed Morano, por I Think We’re Alone now

Prémio Especial de Júri por Realização (Documentário)

Bing Liu, por Minding the Gap

Prémio Especial de Júri por Primeira Obra (Ficção / Drama)

Monsters and Men

Prémio de Argumento Waldo Salt

Nancy, dirigido e escrito por Christina Cole

Prémio Especial de Argumento (Documentário)

Three Identical Strangers

Prémio Especial de Júri por Visão Criativa

Hale County This Morning, This Evening

Prémio Especial de Júri por Impacto Social (Documentário)

Crime + Punishment

Prémio Público (World Cinema documentário)

This is Home

Prémio Público (World Cinema Ficção)

The Guilty

Prémio Público (Ficção / Dramático)

Burden

Prémio Público (Documentário)

The Sentence

Prémio Especial de Júri para Melhor Elenco (World Cinema)

Dead Pigs

Prémio Especial de Júri para Melhor Argumento (World Cinema)

Time Share (Tiempo Compartido)

Prémio Especial de Júri para Melhor Interpretação (World Cinema)

Valeria Bertuccelli, em The Queen of Fear

Melhor Realizador (World Cinema)

Ísold Uggadóttir, por And Breathe Normally

Grande Prémio de Júri (World Cinema)

Butterflies

Prémio Especial de Júri por Melhor Edição (World Cinema)

Our New President, editado por Maxim Pozdorovkin e Matvey Kulakov

Prémio Especial de Júri por Melhor Fotografia (World Cinema)

Genesis 2.0, por Maxim Arbugaev e Peter Indergand

Prémio Especial de Júri para Documentário (World Cinema)

MATANGI / MAYA / M.I.A

Melhor Realização (World Cinema – Documentário)

Sandi Tan, por Shirkers

Grande Prémio de Júri (World Cinema – Realização)

Of Fathers and Sons

Prémio Inovação NEXT

Nights Come on (ex-aqueous) We the Animals

Prémio Público NEXT

Search

Prémio Sundance Institute Global Filmmaking

Dark Money

Search

Of Fathers and Sons

Night on Fire

Court

His House

Prémio de Longa-Metragem Sloan 2018

Search

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A Cura para o Cinema? Nem por sombras …

Chegamos à terceira e última parte desta distopia juvenil perdida em becos sem saída. Verdade seja dita, a competência não faz um filme, e Wes Ball por mais competente que seja a dirigir uma grande produção com foco centrado na fatia juvenil, dificilmente consegue bravamente sair do seu próprio registo.

Aqui a questão não é conduzir-se num guia de entretenimentos fáceis, Maze Runner peca, primeiro, pela coerência político-social que uma distopia poderia emanar (ao contrário do anarquismo envolto de revolta em The Hunger Games), e sobretudo por não trazer nada de novo às audiências. A começar pela primeira sequência, uma aspiração a Mad Max sem a orgânica de edição que o anexa, e a terminar na tentativa Senhor das Moscas como desfecho feliz e solucionável a um apocalipse materializado. Grandes corporações que tudo fazem para salvar a Humanidade da iminente extinção, um vírus quase romeriano que gera criaturas desfavorecidas de realismo, e um grupo de jovens imunes inseridos em labirintos sintéticos de forma a descobrir um cura. Sim, até nós questionamos a verosimilhança em tais métodos científicos, como tudo servisse numa máscara circense de forma a injetar adrenalina num cenário pós-apocalíptico (sem acrescentar o facto desta mesma corporação intitular-se de WCKD, uma prolongada piada).

Nada faz sentido, mas mesmo sob o pretexto de “desbelieve” (“abraçar” o incredível), Maze Runner não escapa ileso à homogenia da sua produção. Inconsequente até à quinta casa, longo até mais não (a culpa foi dos dececionantes resultados do segundo The Hunger Games, que deitou por terra o plano de duas partes) e demasiado automático no seu encaixe. Não existe personagens aqui, apenas bonecos com objetivos definidos e até mesmos os “novos” instalam-se como figuras-ferramentas, cuja existência é a solução dos problemas dos protagonistas. Nesse sentido, é o contagio da narrativa videojogo, sem o realce de questões existenciais e dimensionais do seu cenário, tudo é corrido com a passagem de níveis.

Contudo, apercebemos o público-alvo disto, em tempos de smartphones e enxurradas e consumo fácil de informação, esse espectador perdeu a paciência, distrai-se facilmente, e necessita sobretudo de filmes acelerados e demasiado explícitos, narrativamente falando, para merecer a sua atenção. Foi isso que o Cinema e muito se converteu. Alvos fáceis, produções gigantescas e anónimas. Maze Runner: The Death Cure pode não ser a pior “coisa” existente no panorama atual, mas o seu conformismo é sobretudo alarmante. 

Real.: Wes Ball / Int.: Dylan O'Brien, Ki Hong Lee, Kaya Scodelario, Patricia Clarkson, Barry Piper, Aidan Gillen, Giancarlo Esposito, Will Poulter, Walton Goggins

A cidade holandesa acolhe, como poderia esperar, a 47ª edição do Festival Internacional de Cinema de Roterdão. De 24 de Janeiro a 4 de Fevereiro, o primeiro grande festival do Velho Mundo demonstrará uma seleção refinada de novos olhares, novos autores e sobretudo, novas experimentações. É por essas e por outras que o evento é reconhecido como um dos mais experimentais do ramo cinematográfico e este ano parece não fugir à regra. Contudo, a edição de 2018 será marcada por uma forte presença portuguesa, distribuída pelas diferentes secções e espaços do festival.

Filipa Reis e João Miller Guerra apresentam a sua primeira longa-metragem ficcional, Djon Africa. Integrado na competição principal do certame, Hivos Tiger Competition, a produção  segue Miguel, um jovem de ascendência cabo-verdiana que procura as suas raízes na terra onde nunca pisara, uma viagem que o transformará em algo mais do que a própria memória, ao encontro de um ser que ele próprio desconhece. Quanto ao termo ficcional, os realizadores de premiadas curtas e médias metragens como Fora de Vida (2015), Nada Fazi (2011) e Cama de Gato (2012) afirmaram ao site C7nema que apesar de ser um passo novo, a ficção era uma elemento bem percetível no seu Cinema. O filme conta com argumento de Pedro Pinho, realizador de um dos filmes mais premiados da nossa filmografia, A Fábrica do Nada que é uma das muitas presenças portuguesas da secção Bright Future.

Quanto ao espaço especializado em dar “tempo de antena” a novas vozes, Susana Nobre é outro nome do documentário português a avançar na ficção, sem com isso emancipar-se por completo do seu Cinema. Tempo Comum fala-nos sobre a maternidade e como ela se conjuga com “lufa-lufa” diário, com as carreiras pausadas e como esta realidade torna-se numa experiência a merecer de ser contada. Para Nobre, é um projeto minimal tendo como referência, para além da experiência enquanto mãe, o dispositivo utilizado em Ten, do iraniano Abbas Kiarostami.

Em companhia, estão presentes o russo Tesnota, de Kantemir Balagov, vencedor do último Lisbon & Sintra Film Festival, Meteros, de Gürcan Keltek, galardoado no Porto / Post / Doc e a segunda longa-metragem de Valérie Massadian, Milla, também premiada em Portugal (Doclisboa). Esta última, uma coprodução portuguesa, segue as mesmas pegadas do anterior Nana, onde as personagens encaram o ambiente como um refugio. Se na primeira obra, seguimos uma menina de 4 anos que se vê sozinha após uma tragédia familiar, neste deparamos com dois adolescentes inadaptados que encontram consolo em casa abandonadas.

A curta-metragem Miragem Meus Putos, de Diogo Baldaia, estará em competição na subsecção Ammodo Tiger. Visto na última seleção do Indielisboa, eis um retrato de uma geração através de três narrativas distintas. No Bright Future Short, poderá ainda ser visto o novo trabalho de Filipa César (Spell Reel), que em colaboração com o artista Louis Henderson, concebem Sunstone, um ensaio sobre a relação entre a imagem e o colonialismo.

João Canijo e o seu Fátima tomam de assalto a secção Voices, outro importante filme nesse espaço é Western, de Valeska Grisebach. Leonor Noivo regressa com a curta Tudo o que Imagino, uma docuficção presente na categoria Long Distance dos Voices Shorts. Já Teresa Villaverde e a sua nova longa-metragem, O Termómetro de Galileu, encontra refúgio na rúbrica Visions, tendo como “colegas” o mais recente de Philippe Garrel (L’Amant D’un Jour), Wang Bing (Mrs. Fang), Bruno Dumont (Jeannette) e F.J. Ossange (em coprodução franco-portuguesa - 9 Dedos com Damien Bonnard e Diogo Dória como protagonistas. A realizadora de Colo, apresenta-nos, segundo ela, “uma homenagem à arte de viver e à vida dedicada a arte", inspirado no trabalho do realizador italiano, Tonino de Bernadi.

A destacar ainda a produção de Paulo Branco, The Captain, de Robert Schwentke, registado na secção A History of Shadows. O filme que em Portugal esteve estreia no Lisbon & Sintra Film Festival leva-nos aos últimos dias da Segunda Guerra Mundial, onde um jovem soldado alemão disfarça de oficial da SS, de modo a sobreviver, sem conhecer as consequências de tal ato, principalmente na questão identitária. Também de produção portuguesa, Zama, o mais recente filme de Lucrecia Martel, encontra-se igualmente inserido na secção.

De forma a evitar o seu esquecimento, Luísa Sequeira prepara para mostrar às audiências internacionais o seu filme-investigação Quem é Barbara Virgínia?, sobre a realizadora Barbara Virgínia, a primeira a nível nacional e a primeira participação portuguesa no Festival de Cannes. A mulher que tinha tudo para dar ao cinema tornou-se um espectro e os seus filmes, ora desprezados, ora perdidos (como é o caso de Três Dias sem Deus, onde resta apenas 8 minutos sem som). A sessão será antecedida por Aldeia Dos Rapazes – Orfanato Sta. Isabel De Albarraque, curta de Virgínia que serviu de estudo para a sua estreia e derradeira longa.

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Entre DJs e Cinema!

Longo nos primeiros minutos deste If I Think of Germany at Night (título internacional), DJ ATA refere que nos tempos de hoje tornou-se mais fácil fazer música, ser músico, entrar na indústria e converter-se num artista. Se pegarmos neste mesmo discurso e transladarmos para outro território – o Cinema – percebermos o quanto é fácil fazer filmes, ser cineasta, e entrar na dita indústria. Sim, o digital tornou a 7ª Arte numa arte democrática, num jogo de faça você mesmo e que melhor género desse exemplo que o documentário.

Se encontramos fascinação de Romuald Karmakar nestes artistas do mixing, o romper da nova fronteira musical, e como os seus trabalhos influenciam e são influenciados pela sociedade atual, é bem verdade que o seu olhar não transmite a devida catarse. Por entre planos fixos sem fundamentalismos para o “corpus” estudo, entrevistas sem o díptico da conversação (e um evidente esclavagismo das suas respetivas palavras) e, por último, sequências de concerto que não diferenciam em nada aquilo que as plataformas de partilha de vídeo nos oferecem, nada de realmente relevante para o Cinema é indiciado aqui. No fundo, falta-lhe a linguagem devida que possa “costurar” os discursos, as batidas e toda a investigação levada a cabo.

O resultado é nada mais, nada menos que uma preguiçosa construção. Nesse aspeto, é inglório o retrato dos artistas que atingem a hibridez de tons, que rompem fronteiras, e oferecem novas melodias numa manifestação tão estéril. Mas deste mal também sofrem muitos "novos talentos”, encorajados por festivais regidos por esse conceito de “arthouse”. Se existe o cinema com nada para dizer, existe obviamente o outro lado, o discurso sem cinema. If I Think of Germany at Night é esse último caso. Esforço sem talento.

Filme visualizado no 15º KINO – Mostra de Cinema de Expressão Alemã

Real.: Romuald Karmakar / Int.: Ricardo Villalobos, Sonja Moonear, Ata, Roman Flügel, David Moufang

RoboCop poderá regressar ao grande ecrã. Contudo, segundo o argumentista Ed Neumeier, não será nenhuma continuação da “infame” versão de 2014.

Neumeier esteve por detrás do guião do original filme de 1987, dirigido por Paul Verhoeven, que tornou-se num sucesso de público, mais tarde convertido a objeto de culto e hoje tido como um dos grandes trabalhos do realizador na sua estadia em Hollywood. Em entrevista à Zeitgeist, o argumentista expressou: "É bom que as pessoas ainda estejam interessadas no RoboCop e eles me façam trabalhar em um novo na MGM neste momento, então talvez vamos ter outro. (…) Nós não devemos revelar muito. Houve vários filmes do RoboCop e houve recentemente um remake, e eu diria que isso é uma espécie de voltar para o antigo RoboCop, aquele que todos nós amamos, e começar daí e seguir em frente. Então, na minha mente, é uma continuação do primeiro filme. Pouco mais da velha escola".

Recordamos que graças ao sucesso do primeiro filme, RoboCop pode gerar duas sequelas, um reboot e duas séries televisivas. O enredo remeta a um futuro próximo, com uma Detroit assolada pela violência e crime. A polícia torna-se incapaz de manter a ordem e segurança aos seus habitantes, sendo que a cooperativa OCP (Omni Consumer Products) encontra a solução. Essa reside na criação de novos agentes da autoridades, híbridos entre humanos e máquinas, e o primeiro exemplar dessa experiência é encontrada no agente Alex Murphy (Peter Weller), morto em serviço. Com memórias apagadas e um corpo “fabricado” ele torna-se no RoboCop. O ator Peter Weller foi o Polícia do Futuro mais uma vez, na sequela direta de 1990, tendo sido substituído por Robert John Burke no último filme da trilogia, em 1993.

Uma série com mais de 20 episódios surge um ano depois, com Richard Eden no papel de Murphy e em 2001, RoboCop: Prime Directives, um autêntico fracasso televisivo que se ficou pelos 6 episódios. Em 2014, o brasileiro José Padilha, o mesmo do duo Tropa de Elite, dirige um reboot que se tornou num fracasso, repudiado pela crítica e pelo público. Joel Kinnaman vestiu a pele de RoboCop num filme que contou com os desempenhos de Gary Oldman, Michael Keaton e Samuel L. Jackson.

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Cidade sob Pressão!

Ao levantar do pano, de forma a posicionar o espectador na eventual “viagem”, os letreiros iniciais denominam Los Angeles como a “capital mundial dos assaltos a bancos”. A cantiga da Boston de Ben Affleck (The Town) parece não colar mais aqui. O letreiro da praxe dissipa-se e passamos às primeiras sequências, estas, demonstrando um golpe executado numa carrinha-forte, ao qual à audiência recebe o sabor de e mais um enésimo episódio de violência citadina.

Mas o tiroteio que se assume como comité de boas-vindas leva-nos a outros lugares, a um déjà vu numa Los Angeles noturna e silenciosa que fora “acordada” ao som do conflito que se desenrola. Nasce assim uma variação, um remake bastardo de uma obra querida de um realizador que mostrou vezes sem contas como um hábil artesão na sua arte, transformar ação num estado de espirito. Falo de Michael Mann e o filme em questão é Heat, o conto de ladrões com honra e de policias desonrosos, o duelo cordial que nasce, vive e morre nessas mesma ruas (citando William Friedkin e o seu esquecido To Live and Die in Los Angeles). Sim, caro leitor, Den of Thieves é um Heat para as novas gerações, e nesses termos é desvendado o grande “calcanhar de Aquiles” desta primeira longa-metragem de Christian Gudegast (argumentista de London Has Fallen): a comparação com Mann. Não existe aquele espirito noturno característico do veterano, nem mesmo o intimismo cruel implantado na selva de asfalto.

Enfim, Den of Thieves não pretende ser um discípulo copista e procura um novo caminho e possivelmente um trilho paralelo; a de uma linguagem de ficção instalada num pacto de masculinidade falível, e nesse mesmo, Gerard Butler num papel que tanto  lhe condiz e tão bem conhece. Presenciamos o regresso do trágico líder Leónidas de 300, o homem desafiador, respeitado e estimado que se vê encurralado na sua própria tragédia. A prolongação dessa personagem, o espartano agora modernizado e integrado noutro campo de batalha, é como um jogo sujo que Gudegast enriquece numa competição entre dois homens. Dois lideres, cada um posicionado num lado da lei, numa dicotomia ideológica, orientada pelo bando que os segue respetivamente como um esquadrão suicida.

Um enésimo filme de golpe poderia nascer aqui, mas Den of Thieves foi capaz de ser mais que isso, e acima de tudo exibe essa vontade de romper com os rótulos antecipadamente colocados. Todavia, o que realmente falta nesta primeira obra é um certo gosto pela imagem, pela edição para além da óbvia competência, a linguagem visual e a auto-interpretação do próprio cinema. Por outras palavras, um argumentista convertido a realizador carece sobretudo de experiência e emancipação da própria escrita. Fora isso, há ambição aqui, mesmo que o conto seja mais que recontado. 

Real.: Christian Gudegast / Int.: Gerard Butler, Jordan Bridges, Pablo Schreiber, Curtis “50 Cent” Jackson, Sonya Balmores

Agnès Varda já trabalha num novo projecto, o filme seguirá o seu Visages, Villages (estreado no èe com estreia prevista para Portugal no próximo mês) será novamente um documentário, marcando o regresso com a sua colaboração com Didier Rouget.

Ainda sem titulo, Varda considera o seu novo trabalho um "documentário imprevisível", o qual irá representar a sua experiência enquanto realizador, trazendo uma visão especial do que ela apelida de “cine-escrita”.

"Este novo documentário, muito original que funciona como uma masterclass pessoal, traz a sua visão em relação à sua arte e que certamente fascinará todos os amantes do cinema no mundo", afirma Juliette Schrameck, da MK2, acrescentando ainda que o documentário contará com uma vários convidados especiais.

De momento, o projecto encontra-se em produção, devendo estar finalizado na Primavera.

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Sword in the Stone, que por cá recebeu o título de A Espada era a Lei, é um dos clássicos de animação na fila para receber o seu tratamento de acção real por parte da Disney. De acordo com o The Hollywood Reporter, Juan Carlos Fresnadillo (28 Weeks Later, Intruders) encontra-se em negociações para o realizar. Brian Cogman, um dos argumentistas da série Guerra dos Tronos, encontra-se envolvido no guião.

A animação, datada de 1963, tem como inspiração uma história de T.H. White, o qual relata a juventude do iminente Rei Artur. O filme segue a sua aprendizagem e companheirismo com o mago Merlin, terminando na retirada da famosa Excalibur da pedra que o aprisionava.

É de notar que este é apenas um dos dois filmes que a Disney está a desenvolver atualmente com base na personagem do mago Merlin. O outro é The Merlin Saga, um filme escrito por Philippa Boyens, mais conhecida pelo seu trabalho no guião da franquia The Lord of the Rings e The Hobbit, e que tudo indica terá Ridley Scott na realização.

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O cinema francês estará na ribalta! Filmin.pt dá por iniciado o My French Film Festival, um dos mais prestigiados festivais online que garante aos seus subscritores uma coleção de 25 filmes inéditos. Um leque de longas a curtas-metragens, comédias a dramas de prestigio, premiados e êxitos de bilheteira, desculpas e mais que umas para descobrir ou redescobrir novos talentos da cinematografia francesa.

De 19 de Janeiro a 19 de Fevereiro, deparamos neste festival à distancia de um clique, seis secções temáticas, ao encontro do paladar dos seu subscritor. São histórias mirabolantes em What The F...rench!?, com destaque para expedição selvagem de A Lei da Selva (La Loi de la Jungle, 2016) de Antonin Peretjatko, um filme louco que invoca o tão amado Pierrot Le Fou de Godard. Em Hit the Rrroad!, as viagens de iniciação tem como estandarte Ava (2017), de Léa Mysius, que fora premiado na Semana da Crítica, e ainda a comédia Aglaé, À Prova de Choque (Crash Test Aglaé, 2017), de Eric Glavel, que reúne as atrizes Yolande Moreau, Julie Depardieu e India Hair numa “viagem dos diabos.  

A adolescência é o “prato principal” em Teen Stories, o documentário Swagger (2016), de Olivier Babinet, promete fazer as delicias da temática. French and Furious prova ser a secção mais obscura, aí encontraremos obras intrigantes como Pela Floresta Dentro (Dans la forêt, 2016), de Gilles Marchand, sobre progenitores obsessivos e ainda Aconteceu Perto da Sua Casa (C'est arrivé près de chez vous, 1992), de Benoît Poelvoorde, Rémy Belvaux e André Bonzel, um mockumentário (falso-documentário) de culto que arrecadou o Prémio de Júri do Festival de Cannes.

Por fim, muito amour com Love à la françcaise, que tal como o título indica, o romance estará no ar nesta seleção, curiosamente também será uma oportunidade de ver uma das primeiras curtas de François Ozon, Um Vestido de Verão (Une robe d'été, 1996).

Para aceder ao festival, clique aqui.

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Em Fevereiro, o investigador e curador Jean-Pierre Verscheure marcará presente na Cinemateca-Portuguesa Museu do Cinema para apresentar um conjunto de sessões inseridas na habitual rúbrica Histórias Do Cinema.

De nacionalidade belga, Vescheure é um dos maiores especialistas na história das técnicas cinematográficas da atualidade, tendo fundado o Cinevolution, centro de estudos que permitiu a restauração de mais de quarenta instalações audiovisuais, em 1994. Também professor do Instituto Nacional de Artes Performáticas (INSAS) e parte do conselho científico da Cinémathèque française, foi distinguido em 2010 com o Prémio Lifetime Achievement in Film no Festival de Cinema Internacional Independente de Bruxelas.

A sua presença em Lisboa (19 a 23) motivará um dialogo sobre os formatos de película cinematográfica e as proporções de imagem, exemplificado em conferências que antecedem a cinco filmes. As projeções apresentadas serão Safety Last! (Fred Newmeyer, 1923), Rancho Notorious (Fritz Lang, 1952), River Of No Return (Otto Preminger, 1954), West Side Story (Jerome Robbins, Robert Wise, 1961) e The Pledge (Sean Penn, 2001).

A destacar ainda o facto, de em Fevereiro, a Cinemateca Portuguesa apostar num outro ciclo, remontando no formato de projeção CinemaScope, que entrou em uso entre 1953 a 1967, tendo sido visto como um movimento de prevenção ao declino do cinema face à expansão televisiva.

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Arranca hoje a 15ª edição de KINO: Mostra de Cinema de Expressão Alemã, que se prolonga até dia 24 de janeiro nos Cinemas São Jorge e na Goethe Institut. Tendo extensão no Porto para os dias 25 a 28 (Teatro Rivoli e Cinema Passos Manuel), seguidamente para Coimbra de 14 a 16 de fevereiro (Teatro Gil Vicente).

Esta mostra de cinema oriundo  da Alemanha, Áustria, Suíça e Luxemburgo, dará o “pontapé de saída” com a comédia negra Wild Mouse, de Josef Hader, que foi apresentado no último Festival de Berlim, a história de um crítico de músico despedido e determinado em reaver a sua dignidade. Entre outros destaques os documentários My Wonderful West Berlin, de Jochen Hick, sobre as subculturas na Alemanha Ocidental, e B-Movie: Lust and Sound in West-Berlin, do trio Jörg Hoppe, Klaus Maeck e Heiko Lange, que espreita a exploração do músico inglês Mark Reeder do lado ocidental da capital nos anos 80; o drama lésbico Siebzehn (Dezassete), de Monja Art e Herbert, de Thomas Stuber, um filme existencialista sobre um aposentado pugilista.

Outro muito antecipado filme do evento é Beuys, de Andres Veiel, sobre o badalado artista performativo Joseph Beuys, que entre os seus “escandalosos” ensaios conta-se a barricada numa Galeria de Arte em 1965, de forma a ensinar arte a uma lebre morta. O filme de encerramento é Die göttliche Ordnung (A Ordem Divina), que já conta com distribuição em Portugal.

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Foi revelado o trailer de  Ghostland, o novo e próximo filme de Pascal Laugier (Martyrs), aquele que é considerado um dos nomes maiores da vaga francesa do terror.

A obra segue Pauline e as suas duas filhas herdam uma casa. Na primeira noite nesta nova casa, ela confronta intrusos, lutando pela sua vida e a das suas filhas. Dezasseis anos depois, as filhas se reencontram na casa, na qual começa a surgir algo de estranho. 

Crystal Reed, Anastasia Phillips, Taylor Hickson, Emilia Jones, Adam Hurtig e a cantora Mylène Farmer compõem o elenco. 

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Clive Owen junta-se a Will Smith em Gemini Man, o próximo filme assinado por Ang Lee (The Crouching Tiger and the Hidden Dragon, Life of Pi), uma ficção cientifica centrado num futuro próximo onde a clonagem humana é mais que uma possibilidade. Nesta história, Will Smith será um reformado operador da NSA que tem que escapar a um assassino, que mais tarde vem a descobrir que se trata de uma versão jovem dele próprio.

Segundo a Variety, Owen será o antagonista do filme, enquanto que Mary Elizabeth Winstead e Tatiana Maslany encontram-se cotadas para a coprotagonista feminina.

Gemini Man é uma produção de Jerry Bruckheimer (do franchise Pirates of the Caribbean) que se encontrava em desenvolvimento há mais de duas décadas, na pose da Disney. Contudo, o projeto foi adquirido pela Skydance Media, que o produzirá em conjunto com a Paramount Pictures.

Estreia prevista para Outubro de 2019.

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Leonardo DiCaprio voltará a trabalhar com Quentin Tarantino num filme baseado na “família Manson”, a comunidade de serial killers liderados por Charles Manson que assombrou os EUA no final dos anos 60, cuja vitima mais mediática foi a actriz, e na altura mulher de Roman Polanski, Sharon Tate, em 8 de Agosto de 1969.

O filme terá distribuição da Sony, quebrando assim a relação de mais de duas décadas com os irmãos Weinstein via Miramax e The Weinstein Company, que datava portanto já desde a sua primeira longa-metragem: Reservoir Dogs de 1992. De acordo com uma fonte do Vanity Fair, o filme vai-se focar numa estrela de televisão, que teve uma série de sucesso e está à procura de entrar na indústria cinematográfica, e no seu parceiro (e duplo/stunt). Sendo assim, a tragédia que envolveu o assassinato de Sharon Tate e quatro amigos seus servirá como pano de fundo.

Foi ainda revelado que Margot Robbie encontra-se em negociações para integrar o elenco, que também “cobiça” as presenças de Brad Pitt e Tom Cruise.

O orçamento está nos 100 milhões de dólares, e deve-se esperar que a produção tenha início no Verão, com estreia para 2019.

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Chris Albertch, Presidente da Starz, anunciou na Television Critics Association (TCA) Winter 2018 Press Tour, que a Starz em conjunto com Lionsgate irão produzir uma série baseada no franchise de John Wick.

Intitulado de The Continental, a série explorará o submundo dos assassinos e o hotel-fachada que os abriga. Nos filmes, esse mesmo hotel é gerido por Winston, personagem interpretada pelo ator Ian McShane.

O argumentista e produtor Chris Collins (Sons of Anarchy, The Wire) encontra-se confirmado para escrever esta adaptação televisiva, enquanto que Chad Stahelski (corealizador de John Wick e realizador de John Wick: Chapter 2), Derek Kolstad (argumentista dos dois filmes), Keanu Reeves, Basil Iwanyk (produtor do díptico e ainda de Sicario) e David Leitch (corealizador de John Wick e realizador da sequela de Deadpool) estarão integrados na produção. Este último, irá dirigir o episódio-piloto.

No seu anúncio, Albertch revelou que "esta série será verdadeiramente diferente de qualquer outra coisa na TV. "The Continental" promete incluir as sucessivas sequências de luta e os tiroteios intensamente organizados entre assassinos profissionais e seus alvos que os adeptos esperaram na franquia de John Wick, além de apresentar alguns personagens novos e convincentes que habitam neste mundo subterrâneo. "

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