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17.9.18

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O realizador Edgar Pêra, cujo O Espectador Espantado chegou esta semana às salas, divulgou através das redes sociais a sua indignação em relação às exibições nas salas de cinema, frisando, sobretudo, as de Lisboa, aquando de um episódio ocorrido na sessão de estreia.

 

Fala-se muito na morte do Cinema mas na realidade são as salas de cinema que definham. O Espectador Espantado não foi exibido no seu dia de estreia no Alvaláxia devido a problemas técnicos com a projeção 3D. Imaginem se o mesmo se passasse com os Vingadores ou com os Incríveis II (ambos filmes 3D), o escândalo que seria... Mas não só os cinemas privados que desinvestem na qualidade das suas projeções.”

 

Muito recentemente mostrei na Culturgest O Homem Pykante e o som era totalmente deficiente: ao que parece uma coluna tinha morrido e não lhe tinham feito o funeral. Mas o cúmulo foi quando um técnico sugeriu ao misturador do filme que fizesse novas misturas para as especificidades daquela sala.... Também a última vez que projetei um filme no São Jorge, o som era uma miséria, e consta que apenas usam as melhores lâmpadas do projetor em sessões oficiais."

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"Não sei se a situação se mantém nestas salas, mas ainda há pouco vi no Corte Inglês um filme numa versão escura e sem contraste. A decadência do cinema enquanto fenómeno coletivo será inevitável? (não costumo postar este tipo de comentários, mas já é confrangedor estrear um filme numa só sala em Lisboa, quanto mais ver sabotada a sua estreia).”

 

O Espectador Espantado é visto como um filme-ensaio que questiona a existência e longevidade do Cinema e a sua relação com os espectadores e vice-versa. A obra conta ainda com entrevistas a personalidades como o filosofo Eduardo Lourenço, o crítico Augusto M. Seabra e os realizadores Guy Maddin e F.J. Ossang.

 

 

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publicado por Hugo Gomes às 00:31
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16.9.18

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Morreu a veterana e premiada atriz Kirin Kiki, que tem sido uma habitual presença nas últimas obras de Hirokazu Koreeda, principalmente em Shoplifters, filme vencedor da Palma de Ouro de Cannes de 2018. A atriz faleceu na manhã de sábado na sua habitação em Tóquio. Sofria de cancro, porém, ainda é incerta a causa da sua morte. Tinha 75 anos.

 

Tendo como nome verdadeiro Keiko Uchida, Kiki sempre se considerou numa atriz atípica, defendendo que os seus papeis não possuíam qualquer processo de transformação, aquelas personagens tinham bastante dela própria. Estreou no cinema em 1966 com Zoku Yoidore hakase, de Akira Inoue, mas antes havia integrado grupos de teatro desde o liceu. O seu primeiro nome artístico era Yuuki Chiho.

 

A sua carreira tem sido versátil, passando obviamente pelo Cinema, assim como a Televisão, sobretudo em seriados e também dando voz a diversas produções de Anime. Tornou-se uma cara reconhecida graças aos seus papeis nos filmes de Hirokazu Koreeda desde o aclamado Andado (Aruitemo aruitemo) em 2008. Trabalhou com Naomi Kawase em An (2016), filme que lhe deu algum destaque nos recentes anos.

 

Kirin Kiki (1943 – 2018)


publicado por Hugo Gomes às 10:42
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15.9.18

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Em promoção à série de televisão Sara, que desenvolveu em conjunto com o ator e comediante Bruno Nogueira, Marco Martins, também conhecido como realizador de Alice e São Jorge, revelou ao C7nema pormenores sobre a sua próxima longa-metragem.

 

Este seu novo filme será rodado em Inglaterra tendo como protagonistas Beatriz Batarda e Nuno Lopes, dois atores que integram o elenco da série: “Esta longa-metragem é a consequência de um projeto de dois que tive a desenvolver com essa grande comunidade portuguesa localizada numa zona de Inglaterra.

 

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Beatriz Batarda também falou com o C7nema sobre a sua personagem neste novo projeto de Martins, que segundo ela  “faz a ponte entre uma entidade empregadora de uma zona industrial e os imigrantes portugueses em situação limite em busca de uma saída económica.” Ainda sobre o cenário, a atriz referiu que “não é à toa que ele [Marco Martins] escolhe Inglaterra”, dando indicação que o Brexit será tema recorrente nesta longa-metragem: “Com isso ele pretende levantar todas essas questões, se há ou não livre circulação dentro dos mercados e se em concreto [ela] é equilibrada ou não

 

De momento ainda não foi divulgada qualquer data de estreia nem o inicio de rodagem desta nova produção.

 

Recordamos que Sara, a série televisiva com direção de Marco Martins -apresentada no último Indielisboa - estreia no dia 7 de outubro na RTP2. Nela acompanhamos uma consagrada atriz dramática que perde a sua capacidade de chorar, iniciando com isto um percurso algo existencialista.

 

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publicado por Hugo Gomes às 12:57
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12.9.18

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A caça ao níquel!

 

Se não fossem os "reshoots" poderíamos contabilizar 30 anos de separação desta nova reincarnação e o filme primordial de John McTiernan. The Predator (sim, agora com um “The” como destaque) afasta-se do seu antecessor, não por questões temporais, mas como uma evolução da nossa cultura popular. Para ser mais conciso, neste caso, a diferença instala-se na maneira como vemos realmente o monstro.

 

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Para tal, exemplificando, extraio a provável memorável citação do “jogo gato e rato” entre o alienígena afamado e um Arnold Schwarzenegger em rumo à ribalta - “You're one... ugly motherfucker!” – que entra em contraste com o primeiro encontro de uma das personagens deste novo filme com a exata criatura – “You’re one … beautiful motherfucker”. O que aconteceu em ’87 é que as personagens estavam definidas para integrar num ensaio de ação sob sangue a rolos e o nosso Predador servia somente como figura antagónica. Assim sendo, tínhamos a tendência de nos preocupar com estes humanos / vitimas porque simplesmente nos identificávamos com os mais pequenos traços das suas respetivas personalidades (mesmo sabendo que grande parte destes não fogem da rebuscada caricatura). Contudo, o foco tinha como centro os “terráqueos” ao invés do monstro. Torcíamos sim pela vitória de Arnie, uma alusão às ilimitações do intelecto humano contra a avançada tecnologia de outros mundos, ou simplesmente o “desenrasque” militarizado.

 

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Chegando a 2018, a criatura tornou-se um símbolo e como tal existe um culto, uma veneração, uma desculpa para continuar a absorver esse simbolismo e capitalizá-lo. O foco vira para lado oposto … exatamente … para o Predador, o resto vem de acréscimo, inserido como a catapulta para lançar a figura em ação. Como consequência, somos dirigidos a meros bonecos [que nos vendem como personagens humanas] que operam sob as básicas leis do guionismo, os incitadores de emoção (ou não). Todas estas “personagens” tem um propósito, um objetivo imperativo acima de qualquer caracterização, e no seu global, em prol de um enredo secundarizado, algo que os nossos Predadores possam navegar. Ou seja, tudo se resume a lei do mercado acima de qualquer tendência de criatividade, e aí seguimos para outro campo, o do nosso Shane Black.

 

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O realizador, que curiosamente foi um dos atores do filme de ’87, aplica tudo o que sabe para trazer um certo “brilho”, sobretudo um humor de despacho (tão próprio das suas anteriores criações, de Lethal Weapon a Nice Guys), esforço que se revela em vão pelo terrível timing causado por uma narrativa apressada e sem clareza para construções afetivas. Aliás, todo o filme é endereçado numa edição “lufa-lufa” e puramente acidentalizada, onde os planos tendem em não “respirar” por entre cortes abruptos.

 

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Não existe noção de dramaturgia (caso agravante indiciado na cena de escolha de máscaras por parte do pequeno Jacob Tremblay, momento introspetivo e emotivo da sua personagem, desleixado por uma transição em correria), porém, para tal é respondido com essa assinalação da cultura pop –o objetivo é o de somente reutilizar a imagem do Predador, revende-la a velhas e novas gerações e, com isso, quem sabe, disputar um novo franchise. Sem mais demoras, há que avançar, por isso que comece a caça … ao box office!

 

Real.: Shane Black / Int.: Boyd Holbrook, Trevante Rhodes, Jacob Tremblay, Olivia Munn, Sterling K. Brown, Thomas Jane

 

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3/10
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publicado por Hugo Gomes às 00:53
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11.9.18

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Em relação ao filme The Batman, a ser preparado pelo realizador Matt Reeves (dos dois últimos filmes da série Planeta dos Macacos), muito tem se ouvido falar sobre os encontros dos executivos com diversos atores, cada um deles potenciais “Cavaleiros das Trevas”. Jake Gyllenhaal e Jack Huston foram nomes mencionados para o papel.

 

Contudo, o site Revenge of the Fans divulgou um rumor interessante sobre a possibilidade de Kit Harington, a estrela de Game of Thrones, vestir o fato de Batman. Segundo a fonte, a própria Warner Bros. considera a escolha do ator como protagonista.

 

Recordamos que The Batman, tal como o também a ser preparado filme sobre Joker com Joaquim Phoenix, não integrarão o DCEU, o universo partilhado da DC Comics.

 

Mesmo não tendo uma data concreta para a estreia, espera-se que Batman possa chegar novamente aos cinemas em 2020, sendo que as rodagens estão previstas arrancar no verão do próximo ano.

 

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publicado por Hugo Gomes às 19:29
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10.9.18

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Hagazussa: a Heathen’s Curse, do austríaco Lukas Fiegelfeld, é o vencedor da 3ª Competição Europeia de Longas-Metragens do MOTELx. O filme, que reflete o papel da Mulher numa época em que a bruxaria é mais que superstição, um medo irracional, competiu pela distinção com outras oitos longa-metragens, incluído duas produções portuguesas (Inner Ghosts e Mutant Blast).

 

Já na categoria de curtas-metragens, A Estranha Casa na Bruma, de Guilherme Daniel, saiu-se consagrado, recebendo 5.000 euros em prémio e um lugar entre os nomeados para a competição internacional Méliès d`Or, galardão atribuído anualmente pela Federação Europeia de Festivais de Cinema Fantástico. A curta Agouro, de David Doutel e Vasco Sá, recebe uma menção especial.

 

O 12º MOTELx decorreu em Lisboa do dia 4 a 9 de Setembro, apresentando como principal destaque um ciclo sobre Frankenstein e ainda uma exposição de ilustrações baseadas nas criações de H.P. Lovecraft. O filme Elizabeth Harvest, de Sebastian Gutierrez, encerrou o evento.

 

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publicado por Hugo Gomes às 13:01
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Burt Reynolds, o célebre ator de Boogie Nights e de The Longest Yard, não sobreviveu a um ataque cardíaco nesta quinta-feita (06/09). Tinha 82 anos, deixando para trás uma carreira de 60 anos na indústria cinematográfica e televisiva.

 

Nascido a 11 de fevereiro, em 1936, no estado de Michigan, Burton Leon Reynolds seguiu o percurso de jogador de futebol até um acidente de viação o afastar de tal futuro. Como “plano B” migrou para a Nova Iorque com a aspiração de ser ator. Por entre trabalhos em restaurantes e cafés, conseguiu pequenos papeis na televisão e no Cinema que o garantiram um solido trilho neste ramo. O seu primeiro papel creditado foi em Flight em 1958, série que recriava eventos na História da Aviação Americana, e no grande ecrã o primeiro sucesso surgiu em 1966 com o western Navajo Joe, de Sergio Corbucci.

 

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Apesar de nunca ter sido apreciado pela crítica, Burt Reynolds tornou-se num ator popular e rentável, o mais entre os anos 1978 a 1982, um recorde repetido apenas por Bing Crosby em 1940. Entre os seus êxitos contam Fuzz (Richard A. Colla, 1972), Deliverance (John Boorman, 1972), The Longest Yard (Robert Aldrich, 1974), Silent Movie (Mel Brooks, 1976), Nickelodeon (Peter Bogdanovich, 1976), The Cannonball Run (Hal Needham, 1982). Nos anos 90, quase reduzido a secundário, destaca-se The Player (Robert Altman, 1992), o malfado Striptease (Andrew Bergman, 1996) e Boogie Nights (Paul Thomas Anderson, 1998), possivelmente um dos papeis mais recordados, tendo sido nomeado ao Óscar de Ator Secundário. 

 

Para além de ator, Burt Reynolds ainda executou diversas vezes o cargo de realizador em inúmeros projetos, quer para Cinema, quer para Televisão. Entre as suas realizações conta-se Gator (1976), Sharky’s Machine (1981) e The Last Producer (2000) e ainda um episodio de Alfred Hitchcock Presents.

 

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O ator encontrava-se integrado no elenco do último filme de Quentin Tarantino, Once Upon Time in Hollywood. Infelizmente, segundo algumas fontes, as suas cenas não foram filmadas.

 

Burt Reynolds (1936 – 2018)


publicado por Hugo Gomes às 20:58
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A Maldição do Terror de Estúdio!

 

O que está em causa não é o simbolismo da freira na nossa cultura, quer na literatura ou no cinema que construíram uma espécie de relação pecaminosa, mas sim, quantos são precisos para pecar desta maneira … “industrial”. Se existia algo de aterrador nisto tudo, isso abundava nos poucos minutos em que a demoníaca freira surgia em cena no segundo The Conjuring, “brilhando” sobre o calculismo de James Wan na sua relação com o espaço e os elementos acessórios. Porém, após atribuído o protagonismo em mais um episódio para encher universos partilhados, a criatura é vendida a uma explosão automática de CGI e artificialismo proveniente de uma Hollywood que não sabe ao certo o que fazer com o género de terror.

 

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Ficamos perplexos com o facto do realizador taiwanês surgir nos créditos sob o cargo de produtor, enquanto que Corin Hardy (já proveniente de um freakshow em The Hallow) é um tarefeiro por entre uma agenda apertada e decisões rigorosas que cai no “gosto geral” das massas. Sim, The Nun está mais interessado em ir ao encontro desse mesmo gosto do que criar qualquer avanço no panorama do terror - é enfadonhamente rotineiro, quer na sua execução (julgávamos nós que as montagens rápidas estavam em desuso neste tipo de Cinema), quer no argumento (“Deus nos valha”, sem qualquer sentido), ou na inutilização do espaço cénico (o espectador não tem qualquer noção do mesmo, não existe uma câmara que mapeia o território como acontecera com Annabelle: Creation).

 

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Nós, espectadores, somos encaminhados por uma somente tentativa, a de seguir um modelo estabelecido sem nunca pensar como desemaranhar dos desafios. Um desses mesmos desafios é o público já tão conhecedor do terror e do seu historial (assim acreditamos) que se desvanecerá perante a previsibilidade e a incompetência de surpreender deste oportunista de estúdio. Depois somos presenteado com bonecos incapazes, sufocados a plano por uma narrativa despachada e avarenta sem nunca preocupar em construir uma relação entre eles. No fim de contas, a freira, esse outro boneco, assume-se como um bibelô, assim como o filme que nunca sobressai do risível acessório. Cruz credo!

 

Real.: Corin Hardy / Int.: Demián Bichir, Taissa Farmiga, Jonas Bloquet, Bonnie Aarons, Ingrid Bisu, Michael Smiley

 

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publicado por Hugo Gomes às 11:57
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Arranca hoje uma nova edição do FUSO – Festival Anual de Vídeo Arte Internacional de Lisboa, cuja organização orgulha-se de ser o primeiro festival artístico a comemorar os 10 anos de existência. Prolongando até dia 2 de setembro, o evento marcará vários espaços da capital: Travessa da Ermida, Jardim do Museu de Arte, Arquitetura e Tecnologia (MAAT), Jardim do Museu Nacional de Arte Contemporânea do Chiado, Jardim do Museu Nacional de Arte Antiga, Claustro do Museu Nacional de História Natural e da Ciência e Claustro do Museu da Marioneta.

 

Numa programação que visa encontrar uma utopia entre o audiovisual e o meio artístico, o FUSO destacará a intitulada sessão - "Os Cinetrácts de Maio de 68: a Revolução no Cinema” – a acontecer no dia 31 de agosto, pelas 22h, no Jardim do Museu Nacional de Arte Antiga. Trata-se de uma seleção de curtas-metragens anónimas concretizadas durante as manifestações do maio de 68 em Paris, que apelidados “cinetrácts”. Estas, isente de som ou edição, são hoje encarados como incontornáveis documentos de um episódio impar na História Moderna Francesa, uma revolução que começou nas escolas, difundido pelas ruas parisienses e que viria a influenciar toda uma geração de artistas dos mais diferentes meios, assim como nacionalidades. Os cineastas Jean-Luc Godard e Chris Marker, foram alguns dos autores destas mesmas filmagens. A sessão contará com apresentação da curadora francesa Bernadette Caille.

 

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O festival promete um programa rico de performances, debates e exposições que usufrui o melhor da videoarte. Entre os convidados, destaca-se Lori Zippay, a diretora da Electronic Arts Intermix (EAI) em Nova Iorque, os artistas Daniel Blaufuks e Evanthia Tsantila, e ainda a crítica de arte Marta Mestre.

 

Toda a programação pode ser vista aqui

 

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publicado por Hugo Gomes às 03:41
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Depois de Nana, a Milla …

 

Já tínhamos percebido com Nana, a sua primeira longa-metragem, que Valérie Massadian tenta repor um cinema completamente observacional, quase estudioso para com a figura imposta, e nesse termo, porque não mencionar - antropológico? No filme em questão, uma criança de 4 anos é deixada à sua mercê quando a progenitora falece. A protagonista, a tal Nana, desvanecida à sua ingenuidade / imaturidade, subsiste involuntariamente com o auxilio de preciosas ferramentas (tão férteis enquanto “pequenos”), a imaginação e a improvisação. Todas essas, levam à iminente negação do elemento morte. Aliás, em Nana, a morte é mais que território desconhecido, é um efeito ignorado, conscientemente inexistente.

 

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Em Milla, todo o percurso perde o seu quê de experimentalismo. Já não estamos a lidar com “enfants”, mas sim, com jovens “sabidos”, provavelmente inconsequentes perante o mundo que vive, ou no seu caso, o panorama fabricado perante um otimismo sem par. A personagem-título, uma jovem de 17 anos, cai em redes shakespearianas, e o amor gerado leva-a fugir da sua anterior vida (sabemos lá qual é), que juntamente com o seu companheiro, sobrevive como pode, tentando desraizar a tal predestinada inserção sociológica.

 

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Milla ostenta essa visão distante, acurralando as suas personagens como cobaias de um qualquer tratado zoológico. Elas povoam a casa desabitada, convertendo num lar “akermeano” (união visual dos mosaicos com a tendência fílmica de Chantal Akerman, e não só, a não-ação da realizadora a servir de inspiração para a sua descendente). Porém, o dispositivo quebra, quando a tragédia abate a rotina conformista que se indiciava viciosa. Nesse termo, o piscar de olhos “akermeanos” afasta-se da realidade filmada e do formalismo e aproxima-se de uma certo centrifugação onírica, enquanto, simultaneamente, somos presentados com réstias das pegadas passadas de Massadian. O espectro de Nana a quebrar o “gelo” imposto por esta Milla, ou será antes, Milla uma espécie de sequela de Nana?

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Conforme seja a visão pretendida e requerida neste retrato objetor de consciências cinematográficas, a razão de todo este efeito é o acorrentar o espectador a um só olhar, o de Massadian e dos enquadramentos que essa retina contém.

 

Real.: Valérie Massadian / Int.: Severine Jonckeere, Luc Chessel, Ethan Jonckeere

 

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publicado por Hugo Gomes às 15:03
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22.8.18

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Danny Boyle está fora da realização da próxima missão de 007. O comunicado surgiu através da conta oficial de Twitter do 25º filme de James Bond, onde se encontra expresso “Michael G. Wilson, Barbara Broccoli e Daniel Craig anunciaram hoje que devido a diferenças criativas Danny Boyle não será mais realizador de Bond 25.”

 

Há uns meses atrás, Boyle prometia que o agente mais famoso do cinema seria enquadrado nos novos tempos, tendo em consideração os movimentos #metoo e times up, porém, com a sua saída é possível que o argumento preparado da autoria de John Hodge (argumentista que colaborou com o realizador nos dois Trainspotting, The Beach, Transe, Shallow Grave e a curta Alien Love Triangle) seja inutilizado.

 

De momento não existe mais pormenores sobre o desenvolvimento da produção para além de um rumor que aponta Christopher McQuarrie (Mission: Impossible – Fallout) como o substituto. Enquanto isso, a original data de estreia é mantida – outubro de 2019 no Reino Unido.

 

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publicado por Hugo Gomes às 02:14
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15.8.18

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Quanto mais pequeno, melhor …

 

No calor do Infinity War e o seu climax que termina em cliffhanger (a esta altura do campeonato todo o Mundo já deve conhecer) a Marvel Studios lança em pleno verão escaldante uma espécie de resfriamento à megalómana pretensão do estúdio. A sequela que ninguém pediu, mas que mesmo assim, provando ser capaz de vender gato por lebre, eis Ant-man and the Wasp, onde Peyton Reed, novamente no leme, suspira de alivio pelo desvanecer da sombra de Edgar Wright, porém, nada de ingenuidades aqui, as correntes ainda são muito Kevin Feige.

 

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Convém salientar que dentro dos atiradores furtivos com vista ao mercado que foram as últimas incursões deste departamento da Disney, este “Ant-Man 2” é um exemplar modesto longe das ambições de inovar / alterar o curso de um franchise (pedimos desculpa pelo lapso – Universo Partilhado). Assim sendo, sob doses favoráveis de humor familiar e um Paul Rudd como “peixe na água” neste registo, Reed orquestra as mesmas e anteriores notas do arquétipo do heist movie, apimentado toda esta ação mirabolante e pontuada pela comédia já reconhecida com um maior apreço pela personagem feminina.

 

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Esqueçam as vergonhosas inserções de Black Widow (Scarlett Johansson que servia de par romântico disponível e partilhado) e Natalie Portman que tantos bocejos trouxeram como dama em apuros, este Ant-Man é a peça mais feminina do estúdio em conjunto com Black Panther e as suas sentinelas “over-the-top”. Nesse sentido, Evangeline Lilly enquadra na perfeição esta heroína acima do sidekick (mas vamos com calma porque o foco principal continua direcionado a Paul Rudd e o seu alter-ego). Estando possivelmente a uns pontos do filme domingueiro que se converteu na primeira estância do Homem-Formiga, esta nova aventura dos insectoídes é somente uma demonstração de poder do estúdio, oleado e refinado como manda a sua indústria que se confunde mais com uma prova de vinho sintéticos, sem nunca enriquecer o paladar do seu freguês.

 

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Automatizado, previsível, sem foco para o além-entretenimento passageiro com toques e retoques disnescos sem salvação. Mesmo com novas aquisições de luxo (Lawrence Fishburne e Michelle Pfeiffer) e uma figura antagónica (Hannah John-Kamen) longe dos requisitos básicos da vilania (começamos a pensar que na realidade são os Vingadores os piores inimigos da Humanidade), Ant-Man and the Wasp é a modéstia o qual tínhamos saudades nesta saga prolongada, mas fora isso, não é sinal que a formiga tenha por fim o seu catarro.

 

Real.: Peyton Reed / Int.: Paul Rudd, Evangeline Lilly, Michael Peña, Michael Douglas, Michelle Pfeiffer, Laurence Fishburne, Hannah John-Kamen, Walter Goggins, Judy Greer, Bobby Cannavale, Randall Park

 

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publicado por Hugo Gomes às 22:59
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14.8.18

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Foi divulgado o primeiro trailer de Green Book, filme que marcará a passagem do realizador Peter Farrelly, conhecido de comédias como There’s Something about Mary e Dumb & Dumber, para o território dramático. Viggo Mortensen e Mahershala Ali (Moonlight) são os protagonistas.  

 

O filme remete-nos a um segurança de Nova Iorque (Mortensen) que dirige um pianista de classe mundial (Ali) numa turnê no sul americano dos anos 60. Tem como vista de ser uma das grandes apostas da award season (temporada de prémios).

 

Com estreia prevista para os cinemas portugueses em dezembro.

 

 

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publicado por Hugo Gomes às 21:56
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13.8.18

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Depois da animação stop-motion, The Isle of Dogs, Wes Anderson regressa à ação-real. Segundo algumas fontes, o nova-iorquino irá filmará a sua décima longa-metragem em França, mais precisamente em Angoulême. A cidade é a capital do departamento de Charente, situado no sudoeste francês, e hoje alberga o maior festival de banda-desenhada da Europa.

 

Desconhece-se ainda os pormenores acerca do guião, produção assim como do elenco, mas as fontes apontam que a rodagem não demorará mais que quatro meses e que começará no próximo mês de fevereiro.

 

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publicado por Hugo Gomes às 22:15
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Já não vivemos isto?

 

O que é que torna The Darkest Minds no filme mais desinteressante desta temporada? Primeiro, o conceito que transpira a um "wannabe" X-Men com jovens prodígios e poderes vários a tomar conta da enésima temática distópica. Segundo, a inspiração de sagas infantojuvenis de tal natureza (são quatro livros da autoria de Alexandra Bracken [tendo em conta as bilheteiras, só iremos ficar por um volume no cinema]), e nesse “mundinho” o efeito déjá vu das fações, das divisórias e, por fim, dos vilões megalómanos que possuem influências na militarização e no seio politico.

 

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Por último, de forma a engrossar toda esta visão míope de entretenimento para os mais jovens (Hollywood tem culpa no cartório em persistir em matérias bocejantes e revistas na indústria), é uma espécie de “adultofobia”, com os jovens a tomar, inconsequentemente, papéis ou figurões de maturidade numa guerra entre faixas etárias. Prevalecem esses sintomas de recursos gastos para o vácuo da criatividade, onde se poderia ao menos salientar o bem empregue rigor técnico e narrativo. Ora vejamos, se em técnica este The Darkest Minds é acima da competência entediante (novamente a palmadinha das costas e os “good job!” desta vida), em narrativa é o pão que o diabo amassou.

 

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A padronizar os filmes e as audiências perante a puerilidade das personagens, relações e situações, para que no fim não exista sensação de perda, consequência, ou crítica político-social (nesse ramo, o seu congénere The Hunger Games saiu obviamente a ganhar). E falando em Jogos da Fome, a protagonista - Amanda Stenberg - encontra-se novamente presa a este tipo de produções (relembramos que ela fora a Rue, a impulsora da revolução da pseudo-heroína Jennifer Lawrence na mencionada saga). The Darkest Minds é somente isto, a mera gota no Oceano e, a esta altura do campeonato, é de uma profunda descartabilidade.

 

Real.: Jennifer Yuh Nelson / Int.: Amandla Stenberg, Bradley Whitford, Mandy Moore, Harris Dickinson, Gwendoline Christie, Gwendoline Christie

 

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publicado por Hugo Gomes às 13:18
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4.8.18

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Patrick Stewart será  novamente o Capitão Jean-Luc Picard numa nova série de Star Trek, a ser preparada pela CBS All Acess. Segundo o The Hollywood Reporter, esta nova incursão no universo “trekkieno” não será um reboot de New Generations, mas sim uma continuação, com o intuito de explorar uma nova fase da vida do tão carismático capitão da USS Enterprise.

 

O anúncio deste retorno foi feito pelo próprio ator numa convenção Star Trek em Las Vegas, onde fez uma aparição surpresa: “Sempre terei orgulho de ter feito parte de Star Trek: New Generation, mas quando concluímos o último filme em 2002 senti que minha época com Star Trek chegou ao seu fim natural. Então, é uma maravilhosa surpresa estar animado e revigorado em reviver Jean-Luc Picard e explorar novas dimensões com ele”.

 

De momento desconhece-se o título da série, assim como o número de episódios irão integrar esta nova fase. Alex Kurtzman (realizador de A Múmia com Tom Cruise) e a sua equipa criativa, atualmente por detrás de Star Trek: Discovery, estarão envolvidos neste novo projeto. Patrick Stewart será o produtor executivo.

 

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publicado por Hugo Gomes às 23:43
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31.7.18

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Exercícios de ação!

 

Da História desta saga com mais duas décadas de existência (sem contar com a longevidade da série original o qual se inspirou), Christopher McQuarrie torna-se no único realizador a repetir a posse da batuta. Curiosamente, tendo em vista o anterior Rogue Nation, este Fallout (incrível como não houve tradução português do subtítulo) é um aprumo das revisitações. Ou seja, a experiência cometida com o quinto filme espelha-se como uma aprendizagem neste igualmente megalómano filão globalizado. Aliás, sejamos sinceros, Mission: Impossible é o exemplo de caricatura dos modelos hollywoodescos.

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Mas vamos por partes, o absurdismo adquirido em todo este período produtivo implante no próprio registo de Fallout. Há uma sensação de autoparódia. Existe um reconhecimento do ridículo culminado pelos elementos que forçam esta quimera de sequências de ação e até mesmo dos momentos dos lugares-comuns que pontuam em cada um dos capítulos. E McQuarrie fá-lo sem os estapafúrdios de John Woo e o seu infame segundo capitulo (sublinha-se, hoje visto como um produto do seu tempo). E nessas doseadas secreções de humor discreto e jubilante regista-se a grandiosa marca autoral hollywoodeana, hoje esquecida perante a dominância e facilitismo do CGI – os stunts.

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Deparamos então com um concerto de acrobacias, um jogo sem fronteiras cujo único concorrente é Tom Cruise, que endereça a maior percentagem destes “duelos entre a vida e morte” (a sua lesão nas rodagens serviu automaticamente como marketing). Desde as escaladas vertiginosas, as quedas voluntárias e coreograficamente programadas, sim, Fallout vence por todo esse espetáculo old school, pela restauração da nossa crença numa Hollywood arriscada e analógica (pelo menos utilizando o mínimo possível de CGI na ação gratificante).

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Entenda-se que do exercício de ação vertiginosa e frenética, Mission: Impossible não se ficou na sombra perante o valor de tais atributos técnicos e tacticistas. Christopher McQuarrie trabalhou sobretudo para interligar tais momentos através de uma rede de camadas, o qual constitui o guião, sempre pronto para relembrar os feitos passados da fasquia como um utopia abastada. Sim, o argumento tende acima de tudo induzir-se no espirito quer da saga, quer do simbolismo da mesma. A tendência de ilusão tão presente no eterno jogo de máscaras é aludida nesta trama que cruza a espionagem e a sua contraespionagem. Fallout é um exemplo de filme espião-duplo, incentivado, sobretudo, a induzir o espectador em erro em prol doutra ilusão.

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Falamos a verdade, Christopher McQuarrie concretizou um bem esgalhado enredo sem nunca perder o apetite pelo absurdismo nem da omnipresença do subgénero de espiões. E já que falamos de experiências, Mission: Impossible tem separado gradualmente da sua postura “ressaca James Bond”, focando inclusive na grande fraqueza / marca das aventuras de 007, as mulheres. Fallout não inventa nesse sentido, mas demonstra a relevância do sexo feminino na ação, sem nunca desbravar os clichés e as associações fáceis. Como anexo a essa tendência, o regresso da formidável Rebeca Ferguson ao mais solido papel anti-Bond Girl do recente cinema hollywoodeano.

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Nada que realmente envergonhe a indústria e muito mais a evolução desta, Tom Cruise autorreconhece-se como um dos grandes do género sem nunca conduzir-se no arquétipo “one-army man”, nem mesmo ceder às fragilidades “millennials”. É de momento um dos apogeus das acrobacias cinematográficas, que não se via desde Mad Max: Fury Road (sim, esta declaração soa quase a cliché!). Por agora deixo o aviso: esta crítica vai se autodestruir em 5 segundos. 5 … 4 … 3 … 2 … 1 …

 

Real.: Christopher McQuarrie / Int.: Tom Cruise, Ving Rhames, Henry Cavill, Rebecca Ferguson, Simon Pegg, Angela Bassett, Alec Baldwin, Sean Harris, Vanessa Kirby, Wes Bentley, Liang Yang

 

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7/10
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publicado por Hugo Gomes às 20:26
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Priyanka Chopra (Quantico; Baywatch) está em negociações para se juntar à adaptação da Universal de Cowboy Ninja Viking. Chris Pratt (Os Guardiões da Galáxia) será o protagonista.

 

A criação de A.J. Lieberman e Riley Rossmo centra-se num assassino que manifesta as habilidades mais difíceis de três personalidades diferentes: um cowboy, um ninja e um viking.

 

O projeto, que tem o argumento de Dan Mazeau (Wrath of the Titans) e Ryan Engle (The Commuter). A chegada do filme aos cinemas está programada para junho de 2019.

 

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publicado por Hugo Gomes às 16:52
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27.7.18

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Então, mas este estaminé faz os seus 11 anos de existência e nem celebro dia?!

 

Bem, sim, passamos a primeira década e continuamos em movimento, mesmo em modo lento. Enfim, mea culpa!

 

Agradeço a todos que me acompanham e que me ajudaram a tornar o Cinematograficamente Falando … naquilo que é hoje.

 

Muito obrigado! ;)

 


publicado por Hugo Gomes às 19:44
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26.7.18
26.7.18

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O Padrinho no cinema pós-Padrinho!

 

Um filme biográfico sobre a vida do chefe do crime organizado John Gotti seguindo as direções óbvias e quase ditadas da award season nunca funcionaria no grande ecrã, e infelizmente esse foi o resultado que obtivemos. O porquê? A primeira causa da repudia para com este trabalho algo pessoal de John Travolta, produtor e estrela, é a saturação dos códigos do dito cinema mobster, bem reconhecidos por parte do publico, e não referimos a nichos, mas sim ao apelidado “grande audiência”. A culpa? Bem, de crimes organizados, esquemas e mafiosos, a nossa Sétima Arte está mais que preenchida e nos últimos anos, desviando dos conceitos rasurados da Warner Bros. e do noir dos 40’, Francis Ford Coppolas e Martins Scorseses restauraram todo esse imaginário, transformando sobretudo o crime representado em grandes romances enxertados. Pouco se evolui neste subgénero depois das incursões scorseseanas, e os melhores trabalhos deste campo em pleno século XXI encontram-se refugiados nos autores de velha escola ou em outros cantos do mundo (em Hong Kong tivemos a trilogia Infernal Affairs e no Japão a trilogia Outrageous de Takeshi Kitano, só para dar alguns exemplos).

 

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Mas voltando ao caso Gotti, desde o primeiro plano em que a encarnação de Travolta quebra a quarta parede mencionando os perigos que é viver numa outra Nova Iorque (Viver e Morrer em Nova Iorque bem podia ser um prolongação do célebre filme de William Friedkin), o filme tende em ‘sobreviver’ à deriva do previsível método narrativo agora endereçados ao subgénero. A ascensão e por fim, queda de um dos “padrinhos” acarinhados fora do imaginário da criação, aliás apesar desta submissão pelo já concretizado, Gotti tenta reafirmar-se como o autêntico em muito das suas compreensões de historieta. “O Verdadeiro Padrinho”, manchete que representa essa sobreposição da figura real acima de qualquer similaridade fictícia, enfim, o retardar da morte de um artista, neste caso de um filme automatizado sem poder de reação nem de ação.

 

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Dentro dessas falhas evidentes, existe pouco trabalho no que requer a aprofundar o ambiente envolto deste John Gotti, desde os secundário que por vezes não saem de simples menções até às encruzilhadas narrativas que não encontram meio termo na sua condução (o inicio é exemplo disso, sem nunca saber para que lado temporal seguir do registo). É um exercício esquemático, demasiado despreocupado com a sua natureza, e nisso reflete na proclamada crítica jurídica que o ultimo terço poderia representar. Nesse sentido, Gotti parece glorificar o homem e os seus crimes ilícitos em prol de um ataque furtivo ao sistema judicial e governamental dos EUA. Por outro lado, ouve-se os bens comunitários por parte da comunidade apoiante deste “padrinho”, mas tal é sentido ao de leve pelo simples facto … novamente mencionando … a ausência de trabalho para além da colagem de factos e eventos, com fins de aproveitar o reescrito cinematográfico.

 

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Quanto a John Travolta, nota-se a caricatura involuntária, o de criar uma figura imponente e ao mesmo tempo cair na ilusão do estereotipo vincado. Por outras palavras, o seu risco é em vão, o ator não consegue libertar-se de uma aprisionada carapaça. Tudo isto leva-nos a considerar que Gotti é realmente um produto falhado e sem fôlego para ingressar no grande ecrã … porém, está longe dos “horrores” escritos pelos comparsas norte-americanos vinculados no seu sistema de agregação de críticas. Por entre atentados cinematográficos, já vimos piores daqueles lados. Essa é a verdade.

 

Real.: Kevin Connolly / Int.: John Travolta, Spencer Rocco Lofranco, Kelly Preston, Stacey Keach, Pruitt Taylor Vince

 

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4/10
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publicado por Hugo Gomes às 01:45
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