First Man será o filme de abertura do próximo Festival de Veneza, que decorrerá entre 29 de agosto a 8 de setembro.

Inspirado no livro biográfico de James R. Hansen, o filme focará na missão, assim como na vida pessoal do homem que certo dia aclamou “um pequeno passo para um homem, o grande passo para a Humanidade”, Neil Armstrong, que será interpretado por Ryan Gosling, novamente sob as ordens de Damien Chazelle (La La Land).

Claire Foy, a atriz que se destacará este ano como Lisbeth Salander no novo filme da saga Millennium (The Girl in the Spider's Web), será a mulher do explorador, Janet Armstrong. Kyle Chandler, Pablo Schreiber, Jason Clarke, Ciarán Hinds, Corey Stoll, Christopher Abbott e Lukas Haas completam o elenco.

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O terror regressará a Lisboa em setembro com a 12ª edição do MOTELx, cuja organização revelou as primeiras novidades da programação, porém, ao contrário dos anos anteriores, ainda não foi divulgado qualquer convidado especial. Mas falando em especialidades, o horror e os calafrios serão os pratos principais do cardápio, a promessa foi feita com a melhor colheita anual do género, assim o expressaram os diretores de programação do evento no Cinema São Jorge.

Mandy, o filme revelação de Panos Cosmatos, que conta com Nicolas Cage no centro da ação (esperemos um regresso à ribalta), a segunda longa-metragem de Nicolas Pesce, Piercing, e os promissores Ghostland, de Pascal Laugier (de Martyrs), e o argentino Terrified, de Demián Rugna, descrito como uma das mais assustadoras obras do ano, são alguns dos primeiros títulos indicados para a montra de setembro.

Outro destaque é o regresso do terror brasileiro com Morto Não Fala, de Dennison Ramalho, argumentistas dos filmes José Mojica Marins (mais conhecido como Zé do Caixão), que aventura-se na trama de um médium que faz part-time numa morgue. De forma a apimentar os gostos, The Nun, o esperado novo capítulo do universo The Conjuring será o filme de abertura.

Contudo, as novidades estão somente nos filmes, visto que as categorias e as secções mantém-se, desde o Prémio MOTELx para Melhor Curta de Terror Portuguesa até à Competição Principal [título ainda a divulgar], e os já esperado espaços Lobo Mau, dedicado ao público mais jovem, e as festas temáticas e eventos paralelos tais como o VHS Nights e o MOTELQuiz.

Falando em paralelismos, na Cinemateca Portuguesa, em colaboração com o festival, decorrerá o ciclo “Frankenstein ou o Moderno Prometeu”, a celebração do bicentenário da famosa criação de Mary Shelley. Entre os filmes agendados nesta rúbrica, contaremos com os clássicos incontornáveis da Universal Pictures (Frankenstein e The Bride of Frankenstein), assim como obras mais juvenis como Frankenweenie, de Tim Burton.

Para finalizar, dois pontos a destacar na 12ª edição são a Exposição “Os Contos Mais Arrepiantes de H.P. Lovecraft”, uma mostra de trabalhos a preto e branco frutos de mais de 22 ilustradores e ainda a secção Quarto Perdido, este ano em homenagem a Solveig Nordlund, uma das mais aventurosas do cinema de género em Portugal. A Filha (2003) e Aparelho Voador de Baixa Altitude (2002) serão os representantes da sua filmografia.

O MOTELx: Festival Internacional de Cinema de Terror de Lisboa decorrerá entre 4 a 9 de setembro, tendo como espaço o Cinema São Jorge, Cinemateca Portuguesa Museu do Cinema e Museu Coleção Berardo. A programação poderá ser vista aqui.

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A estrela de Call Me By Your Name (Chama-me Pelo Teu Nome), Timothée Chalamet encontra-se em negociações finais para protagonizar o remake de Dune, que será preparado pelo realizador canadiano Denis Villeneuve (Blade Runner 2049).

Esta nova versão de Dune, que segundo o próprio Villeneuve será dividido em duas partes, adaptará o homónimo romance de Frank Herbert, isto após a versão cinematográfica de David Lynch lançada em 1984, que se tornou um filme de culto, ter representado um desastre financeiro na época. É sabido que Lynch recusou dirigir o último capítulo da trilogia original de Star Wars - O Regresso de Jedi - para filmar esta adaptação, até hoje, declarada pelo próprio, como o seu maior fracasso de carreira.

Recordamos que o cineasta chileno Alejandro Jodorowsky tinha desejo de levar o romance de Frank Herbert ao grande ecrã por volta da década de 70. Esta sua versão contaria com um visual auxiliado pelos artistas H.R. Giger e Jean Giraud, tendo ainda participações enigmáticas no seu elenco, tais como os de Salvador Ali, Orson Welles e Gloria Swanson. Os visuais concebidos pelo próprio realizador foram repudiados pelo autor original da obra. O filme nunca chegaria a ser financiado. Tal material deu origem a um documentário em 2013 - Dune's Jodorowsky.

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O premiado filme da última edição da Semana da Crítica do Festival de Cannes, Diamantino, de Gabriel Abrantes e Daniel Schmidt, terá as honras de abrir a 26ª Curtas Vila do Conde Festival Internacional de Cinema, que arranca hoje.

Integrado na secção Da Curta à Longa, no filme seguimos Diamantino (Carloto Cotta), ícone absoluto do futebol. Ao jogar o jogo mais importante da sua vida, as coisas correm mal e a sua carreira é interrompida. A estrela caída em desgraça busca então significado para a sua vida, mas as coisas não são o que parecem e, mal acompanhado por duas irmãs gémeas que só parecem querer o seu dinheiro, a vida do ingénuo Diamantino começa uma odisseia louca, cruzando-se com a crise migratória, o ressurgir do nacionalismo e o delirante tráfico genético.

Ainda na mesma secção será apresentado Un couteau dans le coeur (2018), o último trabalho de Yann Gonzalez, também estreado no Festival de Cannes. Tendo como pano de fundo a indústria pornográfica do fim dos anos 70, em Paris, a longa-metragem narra a história de Anne (Vanessa Paradis), produtora de filmes porno de série B.

O realizador estará ainda em destaque através de uma carta branca no certame, materializada numa louca sessão de meia-noite, composta por filmes vanguardistas e algumas raridades, apresentada pelo próprio. Depressive Cop (2016), de Bertrand Mandico; Tout ce dont je me souviens (1969), de Christian Boltanski; The Cat Lady (1969), de Tom Chomont; Dellamorte Dellamorte Dellamore (2000), de David Matarasso; Jungle Island (1967), de Jack Smith; são algumas das escolhas do cineasta. Ainda na secção Da Curta à Longa serão apresentados The Green Fog, de Guy Maddin e Le Monde est à Toi, de Romain Gavras.

Por sua vez, o cineasta israelita Nadav Lapid será o realizador em foco nesta edição. Para além da sua presença, Lapid estará no debate a decorrer Teatro Municipal de Vila do Conde, que se encontra integrado na 3.ª edição do Workshop de Crítica de Cinema, também este promovido pelo festival.

Serão 31, o número de integrantes na Competição Internacional desde Bertrand Mandico a João Paulo Miranda Maria, enquanto que a Nacional ostentará mais de 17 participantes, incluindo os novos trabalhos de João Viana (Madness), Rodrigo Areias (Pixel Frio), Ivo M. Ferreira (Equinócio) e a atriz Ana Moreira (Aquaparque). Em projeções especiais serão exibidos as novas curtas de Pedro Neves (Náufragos), Miguel Clara Vasconcelos (Circo do Amor) e José Magro (Rio Entre As Montanhas), e como encerramento, Eugène Green e o seu Como Fernando Pessoa Salvou Portugal (com Carloto Cotta, Diogo Dória, Ricardo Gross e Manuel Mozos no elenco) serão os honrados de tal tarefa.

A 26ª Curtas do Vila do Conde prolongará até dia 26 de julho. Toda a programação poderá ser vista aqui.

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Cate Shortland (Lore, Berlin Syndrome) poderá dirigir o filme-a-solo de Black Widow (A Viúva Negra), personagem interpretada por Scarlett Johansson que até então tem sido sidekick na série The Avengers. O site Collider confirmou a contratação da realizadora australiana.

Durante anos tem sido discutido a produção de um standlone da personagem, a agente / espiã da S.H.I.E.L.D. que fora introduzido no Universo Partilhado da Marvel em Iron Man 2, mas o projeto ser fora adiado por múltiplas razões (entre as quais o argumento de "figuras de ação de heroínas não serem rentáveis no mercado dos brinquedos").

De momento desconhece-se a data de lançamento do filme, tendo em conta que a agenda de Johansson encontra-se demasiado preenchida.

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Morreu a atriz Laura Soveral. A notícia foi avançada pelo Correio da Manhã  através da Casa do Artista. Tinha 85 anos.

Nascida em Angola a 23 de março de 1933, Soveral enveredou pela representação ao estabelecer-se em Lisboa, onde frequentou a Filologia Germânica, na Faculdade de Letras, iniciando-se em 1964, no Grupo Fernando Pessoa, dirigido por João d'Ávila. Entretanto, inscreveu-se na Escola de Teatro do Conservatório Nacional, começando assim uma carreira que se prolongou por 6 décadas.

Figura forte no mundo do Teatro, a atriz participou igualmente em inúmeros projetos cinematográficos, trabalhando com cineastas como Manoel de Oliveira (Vale Abraão; A Divina Comédia), Fernando Lopes (Uma Abelha na Chuva; Matar Saudades; O Delfim), João Botelho (Aqui na Terra; O Fatalista, A Mulher que Acreditava Ser Presidente Dos EUA, A Corte do Norte, Filme do Desassossego, Os Maias e Tráfico), José Fonseca e Costa (Cinco Dias, Cinco Noites) Teresa Villaverde (Três Irmãos), José Álvaro Morais (Quaresma), Marco Martins (Alice) e Miguel Gomes (Tabu).

Com uma carreira igualmente forte na TV, Soveral participou em telenovelas e séries como Belmonte, Morangos com Açúcar, Vila Faia, Chuva na Areia e A Viúva do Enforcado.

Recorde-se que a atriz foi distinguida em 2016 com o Prémio Bárbara Virgínia, atribuído pela Academia Portuguesa de Cinema, pela "carreira ímpar no cinema e no teatro nacional".

Laura Soveral (1933 - 2018)

Neill Blomkamp (Chappie, District 9) irá dirigir RoboCop Returns, a nova sequela do clássico filme de Paul Verhoeven de 1987. Em janeiro deste ano, o argumentista Ed Neumeier (que esteve do guião do original) confirmou que a MGM estaria a preparar um novo filme e que não seria nenhuma continuação da “infame” versão de 2014.

Justin Rhodes, argumentista do novo filme de Terminator, a ser preparado por Tim Miller (Deadpool), irá reescrever o guião deixado por Neumeier e Michael Miner.

Recordamos que graças ao sucesso do primeiro filme, Robocop teve duas sequelas, um reboot e duas séries televisivas. O enredo remete a um futuro próximo, com uma Detroit assolada pela violência e crime. A polícia torna-se incapaz de manter a ordem e segurança aos seus habitantes, sendo que a cooperativa OCP (Omni Consumer Products) encontra a solução. Essa reside na criação de novos agentes da autoridade, híbridos entre humanos e máquinas, e o primeiro exemplar dessa experiência será o agente Alex Murphy (Peter Weller), morto em serviço. Com memórias apagadas e um corpo “fabricado,” ele torna-se no RoboCop. O ator Peter Weller foi o Polícia do Futuro mais uma vez, na sequela direta de 1990, tendo sido substituído por Robert John Burke no último filme da trilogia, em 1993.

Uma série com mais de 20 episódios surge um ano depois, com Richard Eden no papel de Murphy e, em 2001, RoboCop: Prime Directives, um autêntico fracasso televisivo que se ficou pelos 6 episódios.

Em 2014, o brasileiro José Padilha, o mesmo do duo Tropa de Elite, dirige um reboot que se tornou num fracasso, repudiado pela crítica e pelo público. Joel Kinnaman vestiu a pele de RoboCop num filme que contou com os desempenhos de Gary Oldman, Michael Keaton e Samuel L. Jackson.

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O Taxi Driver ‘reformado’!

Paul Schrader sempre fora estudado como um curioso caso isolado. Cinéfilos de gema e com profundos conhecimentos da natureza cinematográfica, por norma, nunca geram grandes cineastas e o invocado é exemplo disso. Por mais esforços que cometa (até mesmo o próprio admite), será relembrado no fim dos seus dias como o argumentista ao invés da sua carreira a solo, esta diversas vezes subestimada na indústria que insere. Em todo o caso, Schrader é um “outsider” duma Hollywood que não acredita em si própria, e os seus filmes [dirigidos] são a prova de uma total descrença no sistema como na emanada cinematografia. Contudo, eis que nos chega First Reformed, que diríamos ser o fim de uma dificultada maratona, uma corrida de resistência que culmina uma fadiga constante de um autor dececionante perante os obstáculos que sucedem a (ainda) outros obstáculos. Provavelmente esta é a sua epifania, a desilusão a tomar conta da figura, e esta projetada no destino da Humanidade por via da sua ferramenta mais intima.

Sob o protagonismo envolvente de Ethan Hawke (possivelmente o seu papel mais visceral, inerentemente falando), First Reformed nos leva, como as palavras indica, a passos cuidadosos para uma igreja secular, o travelling de espera na passagem dos créditos iniciais nos transmite um efeito de reconhecimento perante o cenário que servirá mais que template da narrativa, uma aura fantasmagórica, a ponte invisível entre mortal e o divino imortal. Nela, Hawke, um “pároco” (reverendo Ernst Toller) que perdera o seu filho na Guerra, fustigado por uma angustia silenciosa somente tranquilizada pela fé pregada, ou sem rodeios, uma espécie de analgésico espiritual. Mas é ao encontro de um dos seus “cordeiros”, um ambientalista desesperado pela descrença na tão negligenciada humanidade, que Toller despertará para uma nova realidade, um fosso que parece interligar o seu luto que se revolta para com o estado das coisas que o rodeiam.

Por mais referências que encontremos neste espiritualismo mutilador, de Bresson a Ozu (passando por Dryer e Bergman), que transcrevem os planos e os movimentos destas personagens suicidas, é a autorreferência de Schrader que First Reformed triunfa como uma meta atingida. É o Taxi Driver do novo século, inserido num mundo no qual tem que partilhar com os imensos “rebentos” do mundialmente conceituado filme de Martin Scorsese (que o próprio Schrader escreveu). É a estrutura intacta a servir de fortalecimento a este grito de ajuda, tal como a igreja que assume -se como vetor narrativo, é a reconstituição moderna perante um “esqueleto” de outros tempos, assim, First Reformed sob um tremendo ar bafiento de ’70 (não com isto insinuar que o Cinema precisa diariamente de lufadas de ar fresco) ergue-se numa ousadia modernizada.

Enquanto que Taxi Driver  resumia aos grunhos e ao seu ativismo algo anárquico, esta nova chance de Paul Schrader remete-nos ao ativismo dos sábios. Impulsores divergentes, causas percorridas em iguais pisadas. É na descrença que a verdadeira fé é atingida, poderemos contar com isto num filme religioso, mas a crença não se baseia em teologias fundamentalistas, First Reformed olha para o mundo deixado por Taxi Driver, e o atualiza, refletindo-o numa dolorosa agonia. É a politica, sob as agendas anti-trumpistas, fervorosamente renegando outras politizadas tarefas, como o ambientalismo a fugir dos panfletismos Al Gore (possivelmente, e em certa parte, o mais sóbrio dos filmes ecológicos).

Não saindo da temática das causas, First Reformed liberta-se do filme-ficção para endurecer como a causa que Paul Schrader fervelhava no seu negro intimo. E sob o reflexo das suas paralelas criações (First’ e Taxi’), eis a redenção encontrada de um autor que nunca se confirmou (até então). Atenção, daqui fala um anterior cético (à imagem da descrença absoluta de Ethan Hawke) que, também graças à bênção divinal nos braços de Amanda Seyfried, tornou-se num crente. Devastador e destemido. Existem atualmente poucos filmes assim.

Real.: Paul Schrader / Int.: Ethan Hawke, Amanda Seyfried, Cedric the Entertainer, Victoria Hill, Michael Gaston

A The Hollywood Reporter acaba de confirmar, Joaquim Phoenix será o famoso nemesis de Batman em um novo filme com produção de Martin Scorsese e realização de Todd Phillips (A Ressaca, War Dogs). As rodagens começarão em setembro deste ano.

Este novo projeto sob a alçada da Warner/DC, terá como foco a origem do famoso vilão de Batman, centrando a ação nos anos 80 em um estilo ligado ao género crime/drama. Alguns rumores apontam que o arco narrativo será inspirado na banda-desenhada The Killing Joke (A Piada Mortal) de Alan Moore e Brian Bolland. Phillips e Scott Silver são os autores do argumento.

Todd Phillips revelou ao THR que terá ao seu dispor um orçamento de 55 milhões de dólares, valor muito abaixo da maioria das produções do género. É de recordar que este filme não pertencerá ao chamado Universo Cinematográfico da DC. A editora em conjunto com o estúdio irá apostar paralelamente em filmes independentes acerca destas personagens, sendo Batman de Matt Reeves um outro exemplo deste "outro caminho".

Enquanto isso, Jared Leto voltará a vestir a pele de Joker em um novo filme, este já integrado no corrente franchise.

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Prometo Filmar!

“Olá, sou o Pedro Chagas Freitas e prometo falhar”. O escritor-homenageado apresenta-se sem rodeios e hesitações, trata-se do filme à sua medida, uma obra que nos engana assim como Pedro que na sua primeira frase nos mente. A mentira tem perna curta, até porque em 50 minutos de filme, este Prometo Falhar tem tudo menos “falhanços”, é uma ode ao sucesso do homónimo livro, “o mais sublinhado de sempre”, como gostam de publicitar.

É uma “jornada” ao sucesso da obra em questão, ao invés da relevância do mesmo na nossa cultura popular (dele nasceram oportunistas de “mau gosto” como Afonso Noite-Luar por exemplo), e devido a esse tópico à lá vendedor/merceeiro, este dispositivo altamente televisivo usa a desculpa de uma biografia disfarçada e oculta. Nota-se pelos relatos dos entrevistados, aqueles que coexistem no universo “freiteano” (não tornemos este adjetivo num habito se faz favor), que não poupam elogios à perfeição do autor em qualquer área, em oposição do próprio dialogo de Pedro, que fala de “fracasso e falhas”, como parte integral da sua vida. Mas afinal, quem anda a mentir?

Alberto Rocco [o realizador] é lúcido no seu discurso; “não fiz um filme para o público geral, fiz um filme para um objetivo especifico, os fãs do livro”. Nesse aspeto, convenhamos que Prometo Falhar é um produto que procura agradar o seu filme, induzi-lo num anorético trabalho de pesquisa e pouca introspeção nas palavras produzidas dos escritos, aqui lidas por diversos convidados como se lesse poemas de Sophia de Mello Breyner. Contudo, longe de nós em condenar os gostos dos fãs e da própria temática do filme. O que não poupo na misericórdia é na questão da cinematografia. Documentário-reportagem completamente anexado aos tiques e maneirismos do jornalismo televisivo, vendido como Cinema, tal como vendem gato por lebre.

Real.: Alberto Rocco / Int.: Pedro Chagas Freitas, Paulo Calatré

Morreu o cineasta e escritor francês Claude Lanzmann, o realizador do muito célebre Shoah, denominado como o épico do Holocausto.

Lanzmann nasceu em 1925, em Paris. Filho de imigrantes judeus russos em França, estudou filosofia na Sorbonne depois da guerra, tendo sido convidado por Jean-Paul Sartre e Simone de Beauvoir (com que teve um relacionamento entre 1952 e 1959) para trabalhar na revista Les Temps Modernes, o qual assumiu o cargo de editor-chefe em 1986. Claude Lanzmann foi conhecido pelas suas fortes ideias politicas, tendo escrito artigos em defesa de Israel, Coreia do Norte e Tibete. Para além disso foi um dos signatários do Manifesto dos 121, que denunciava ações do governo francês na Argélia.

Lanzmann realiza em 1973, Pourquoi Israel, e em 1985 concretiza aquele que seria o seu grande filme, Shoah, o Holocausto condensado em 9h30 de duração, tornando-se num dos mais importantes documentos cinematográficos em relação ao tema. Na sua carreira conta-se ainda The Last of the Unjust, um documentário sobre o campo de concentração Theresienstadt, dirigido a judeus da classe alta em Terezín, apresentado pelos nazis como um modelo para fins de propaganda, e ainda a sua viagem à Coreia do Norte com Napalm e The Four Sisters, o seu último trabalho, entrevistas com quatro mulheres sobreviventes do Holocausto originalmente filmadas para Shoah.

Claude Lanzmann (1925-2018)

3, 2, 1, aqui vou eu!

É preciso continuar a ‘brincar’ para nunca alcançar o mundo adulto. Não é por estas palavras, mas anda lá perto do que uma das personagens deste TAG cita em semi-loop de forma a dar razão ao seu ponto de vista, à imaturidade que parece desenrolar um papel importante nos vínculos afetivos deste grupo. Nem ele sabe certamente de onde veio a citação, aposta-se em Franklin, outros em Karl Groos, porém, certo é aquilo que o espectador irá atravessar, um prolongado “jogo da apanhada” com vista em tomar um lugar deixado por Hangover (A Ressaca), o cinema comédia bromance, hoje impraticável devido à permanente questão da representação feminina do cinema.

Já um crítico “qualquer” norte-americano centrou a sua crítica na forma como as personagens femininas são introduzidas e solidificadas na trama, acima da própria proposta desta partida de marmanjões a reviver a infância. Sob o oportunismo modista do “baseado numa história real”, TAG leva-nos a um grupo de amigos que todo o mês de maio executam um interminável jogo da apanhada, uma forma encontrada para não deixar morrer os seus laços de amizade que duram desde os primórdios. Sendo o conceito mais interessante que toda a pratica, esta é levada pelos inconscientes pecados da comédia de Hollywood em geral: o de nunca conseguir esgalhar astúcia nos seus gags nem o de conseguir o efeito emotivo que, neste caso, suscitaria.

TAG é somente um filme escapista da pior espécie, batoteiro (com tiques apropriados de outros, a evidência de um Guy Ritchie na vida do realizador Jeff Tomsic é embaraçosa) e fanfarrão, com caricaturas ao invés de personagens e a anedota ao invés de trama. Perdemos a noção, caímos no generalizado e na inconsequência que nunca encontra a sua sobriedade, mesmo que o final (existe um plot twist pelo caminho) solicite esses trilhos improváveis. Bolorento e inapto, somente adquire a sua refrescante postura frente aos maçudos-verborreicos de Judd Apatow e companhia. Mas isso não chega. Bem … é a tua vez!

Real.: Jeff Tomsic / Int.: Jeremy Renner, Ed Helms, Jake Johnson, Jon Hamm, Annabelle Wallis, Lil Rel Howery, Leslie Bibb, Isla Fisher, Rashida Jones

Descrito como o “livro mais sublinhado de sempre”, Prometo Falhar tornou-se num dos grandes fenómenos da literatura portuguesa recente, torna-se num sucesso de vendas assim como viral nas redes sociais. Escrito por Pedro Chagas Freitas, o livro apresenta-se como uma obra de frases soltas, para alguns, ou de pequenos contos, para outros, cujo foco é o romance como o mais apetecido e fracassado dos sentimentos.

Ame-se ou odeie-se, Prometo Falhar tomou lugar na cultura popular portuguesa, sendo que a oportunidade de o adaptar para o cinema tem sido, mais que tudo, apetecível. Mas o “beneficiário” dessa conversão foi o realizador italiano Alberto Rocco, perito na área do documentário, que encontrou no livro de Chagas Freitas uma espécie de folha em branco. “O processo de produção consistiu em somente falar com o Pedro, do qual sou fã. Encontrei no seu livro uma proposta desafiante, o de adaptar algo sem narrativa.” afirmou o realizador. “O que fiz, na verdade, não foi bem uma adaptação, antes uma interpretação do livro. Se tivesse que seguir a sua narrativa, seria um trabalho muito difícil. Para tal, tinha uma opção, escolher uma das histórias apresentadas nas páginas do livro e levá-lo ao grande ecrã. Foi então que escolhi essa história, a do próprio Pedro.”

Prometo Falhar vai mais além dos escritos do livro. Vai ao encontro do homem que o escreveu, Pedro Chagas Freitas, o seu percurso até à sua confirmação enquanto autor. O próprio assume que foram os ‘falhanços’ que ditaram a sua prosperidade, e a sua coragem em enfrentar o grande medo de todos, o de falhar. Alberto Rocco divulgou, para além do processo de adaptação, como escolheu a melhor forma de abordagem. “A forma que encontrei para abordar isto tudo foi o de pegar num concerto de Tchaikovsky, o qual também admiro, e sobre esse conceito tentei montar um filme.”

É sabido que Prometo Falhar – O Filme, em oposição ao sucesso do livro, é um filme independente, cuja produção é da autoria do próprio realizador, que se revelou num grande defensor do termo independente: “É algo que sempre defendi. Os filmes independentes precisam de público, não de subsídios. Não devemos responsabilizar o estado politico, aqueles discursos que ouvimos milhares de vezes de que não há dinheiro. Nós precisamos de público acima de qualquer ajuda monetária. E se o público nos der uma oportunidade, existe a chance de fazer filmes bastante interessantes com produções puramente independentes. Não devemos confundir o interessante com os blockbusters, os independentes têm as suas limitações, mas são no fundo filmes que querem o mesmo – público – e para isso têm que ter a capacidade de entreter uma pessoa pelo menos 50 minutos ou mais de uma hora. Tenho que tentar transmitir essa ideia. Se o público deixar, o cinema independente tem muito para dar. Basta o público querer. Conheço vários colegas que têm conceitos maravilhosos para trabalhar, mas não tem a oportunidade de concretizá-los devido a esse ´desprezo´ pelo termo independente.”

De seguida volta-se com elogios para a distribuidora/exibidora, Cinema City, que detém a exclusividade da estreia: “O Cinema City tem tido um papel importante na divulgação deste cinema português independente.” Confrontado com a expetativa do seu trabalho, Rocco referiu que concretizou um filme não para o público geral, mas para um objetivo especifico: os fãs do livro. Garantindo que a exigência desses mesmos fãs poderá levar a rigorosas comparações com a matéria-prima, acrescenta: “O filme perderá sempre para o livro, tudo porque quando lemos um livro temos um grande aliado, a nossa imaginação. Em relação a um filme, esse aliado torna-se no nosso pior inimigo, porque não podemos apoiar-nos na imaginação.”

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Bandidagem hospedada!

Um Hotel que é automaticamente um refúgio a toda a classe de criminosos. Familiar? Temo que o conceito já tenha sido aplicado com “forçada” subtileza no duo de John Wick? Sim, mas Hotel Artemis, a primeira experiência no formato da longa-metragem de Drew Pearce, não é nenhum spin-off da saga do assassino reformado e amargurado, é antes uma distopia futurista, palco de fundo desnecessário para se aventurar num filme de uma ideia só a dividir pelos inúmeros problemas inconsequentes de execução.

Começamos pela tristeza que é testemunhar uma atriz de historial - Jodie Foster - a ser ruminada por estes papeis de “paga-contas”, agorafobias ao quadrado como tem sido refém a sua carreira ultimamente. Ela é a cabeça de cartaz deste estabelecimento de sócios “only”, tendo como sidekick um Dave Bautista subserviente na capa do comic relief, à imagem dos seus acumulados sucessos. Ambos lideram um elenco de clientes de passageira estadia sob o signo de arquétipos ou de obrigações contratuais. Sente-se o desaproveitar destas personagens dependentes das vontades subjugantes de um guião preguiçoso e demasiado rebuscado no seu desenvolvimento (é doloroso ver Jeff Goldblum a ser desprezado desta maneira).

Como repesco nas primeiras linhas do texto, é a ideia generalizada, este futurismo carente de criatividade e de tom crítico, sem nenhuma conexão com o nosso mundo, a materializa-se como um bilhete de ida e volta. Contudo, nada de metáforas, apenas parábolas desmioladas. O realizador e argumentista Drew Pearce revela-se automaticamente impreciso quanto ao ritmo a ter e a reter. Este, altamente contaminado por um estilo sufocante e das pretensões estabelecidas da série B, com mais intenção de sê-lo do que encarná-lo.

Mas sublinhamos, não é a devida virtude da dita série, é Hollywood travestida sem a audácia nem a capacidade de transmitir o elo do anti-herói (visto termos um filme recheado de tais). E para uma obra sobre bandidos, é estranho que Hotel Artemis seja tão lamechas e moralista.

Real.: Drew Pearce / Int.: Jodie Foster, Sofia Boutella, Dave Bautista, Sterling K. Brown, Jeff Goldblum, Jenny Slate, Zachary Quinto, Charlie Day, Brian Tyree Henry, Kenneth Choi

Morreu Robby Muller, diretor de fotografia holandês que trabalhou com realizadores como Wim Wenders, Lars Von Trier e Jim Jarmusch. Segundo a publicação holandesa Het Parool, Muller sofria há vários anos de demência vascular. Tinha 78 anos.

Entre os seus trabalhos mais conhecidos destaca-se Dancer in the Dark, Breaking Waves, Ghost Dog, Coffee and Cigarettes, Dead Man Paris, Texas, The American Friend, Repo Man, Barfly, Shattered Image e 24 Hour Party People.

Robby Muller (1940 – 2018)

António Reis e Margarida Cordeiro serão alvo de retrospetiva na quinta edição do Porto/Post/Doc. O festival portuense exibirá na integra as respetivas filmografias incluindo uma nova cópia restaurada de Trás-dos-Montes, umas das obras maiores do drama etnográfico português. Em complemento, decorrerá um painel, "Rever Reis e Cordeiro", tendo inúmeros convidados do ramo cinematográfico e jornalístico disposto a debater e discutir sobre o cinema da dupla.

Em paralelo, o festival contará com um workshop teórico orientado pela investigadora e realizadora britânica Laura Mulvey, no qual focará diversas questões de género no cinema, muitas delas estudadas pela própria há já vários anos (com inscrições até ao final de setembro).

O 5º Porto/Post/Doc – Film & Media Festival acontece de 24 de novembro e 2 de dezembro no Teatro Municipal do Porto – Rivoli, Cinema Passos Manuel, Cinema Trindade, Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto, Maus Hábitos e Universidade Católica Portuguesa (Porto).

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Arrancaram as rodagens do filme português, Ladrões de Tuta e Meia, uma comédia que será protagonizada por Rui Unas e Melânia Gomes, tendo estreia prevista para fevereiro de 2019.

Contando como a primeira produção da Lanterna de Pedra em conjunto com a PRIS Audiovisuais, que assegura a distribuição em sala, em Ladrões de Tuta e Meia conheceremos um casal de vigaristas que tenta burlar um veterano do Ultramar que venceu o prémio do Euromilhões. Carlos Areia, Pedro Alves, Vítor de Sousa, Guilherme Leite, José Eduardo, Mouzinho Arsénio, Diva O'Branco, Luís Oliveira, Cândido Mota, Pedro Alves, Gonçalo Lello, Lourenço Serrão, Cristina Cavalinho e Marcantónio Del Carlo completam o elenco.

O realizador é Hugo Diogo, mais conhecido pela obra Os Marginais, lançado em 2010, drama citadino que abordou crime organizado e lutas ilegais. Vale a pena relembrar que este ano contaremos com a estreia do seu mais recente trabalho, Imagens Proibidas (ver trailer abaixo), a história de um fotógrafo que tenta recriar um amor entre duas mulheres através de fotografias. Uma adaptação de um livro de Pedro Paixão com Elmano Sancho, Diana Costa e Silva, Ana Vilela da Costa, Dinarte de Freitas, Suzana Borges, Susana Sá e Rita Redshoes no elenco.

Foi revelada a primeira imagem de Kristen Wiig na sequela de Wonder Woman (A Mulher Maravilha), novamente sob a direção de Patty Jenkins, que se intitulará de Wonder Woman 1984.

Recordamos que Kristen Wiig será a vilã, Cheetah, uma mulher-leopardo que tem como principais habilidades, força sobre-humana e extrema agilidade. A personagem é hoje tida como a grande arqui-inimiga de Diane Prince, aqui novamente interpretada por Gal Gadot. Chris Pine e Pedro Pascal completam o elenco.

O filme tem estreia prevista para novembro de 2019.

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Jared Leto será o protagonista de Morbius, o próximo spin-off do universo do Spider-Man a ser preparado pela Sony Pictures. Depois de Venom, com Tom Hardy no elenco, e Silver & Black, este Morbius, nos apresentará o conhecido "vampiro vivo", um dos vilões do "aranhiço".

Os argumentistas de Power Rangers e Dracula: Untold, Burk Sharpless e Matt Sazama serão os autores do argumento e Daniel Espinosa (Life) será o realizador. Tal como os seus congéneres que se encontram em produção, o filme envolto de Morbius não será relacionado com o Universo Cinematográfico da Marvel.

Para quem desconhece, Morbius surgiu pela primeira vez em 1971 nas páginas do volume 101 do Amazing Spider-Man, por Roy Thomas e Gil Kane. O nome verdadeiro é Dr. Michael Morbius, um cientista que sofre uma rara doença sanguínea que o torna dependente de uma certo vampirismo. A personagem foi criada como uma alternativa a Drácula de Bram Stoker.

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Incríveis, mas há 14 anos atrás!

Os fãs podem suspirar de alivio. As preces foram ouvidas. Temos por fim a sequela de The Incredibles, e diga-se por passagem … recomenda-se. Tudo começou em 2004. A Pixar vivia os melhores momentos da sua jornada pela indústria da animação graças ao sucesso atingido por Finding Nemo (aliás o melhor êxito do estúdio na altura), mas o objetivo não era seguir os conselhos táticos de “equipa que vence não mexe”. O que fazer depois desse coming-of-age submarino? A resposta foi encontrada por Brad Bird que visualiza o crescente cinema de super-heróis que estaria a dar os seus importantes passos de rejuvenescimento e encontra nele um foco quotidiano e subversivamente sociológico: e se os super-humanos vivessem entre nós, e que fossem condenados às meras vidas humanas, escondendo as suas verdadeiras identidades em prol do mundano?

Obviamente que a questão não era de todo original, a aura destes heróis de collants deriva sobretudo da dicotomia identitária, o disfarce que cada vez mais se confundia com o seu próprio “eu”. The Incredibles surgiria, coincidentemente, no mesmo ano em que David Carradine discursa a natureza ocultada do super-herói nos momentos finais de Kill Bill, exemplificando um curioso caso, o do Super-Homem. Esta criação da DC, possivelmente o mais célebre do arquétipo heroico, é um ser poderoso cujo disfarce não é nada mais, nada menos que o mero mundano. Segundo o “malévolo” Bill de Carradine: “Superman was born Superman. When Superman wakes up in the morning, he's Superman. His alter ego is Clark Kent. His outfit with the big red "S", that's the blanket he was wrapped in as a baby when the Kents found him. Those are his clothes. What Kent wears - the glasses, the business suit - that's the costume. That's the costume Superman wears to blend in with us. Clark Kent is how Superman views us. And what are the characteristics of Clark Kent. He's weak... he's unsure of himself... he's a coward. Clark Kent is Superman's critique on the whole human race.”

The Incredibles funcionou como um gracioso sucesso de crítica e público, contornando as preocupações iniciais de um filme que parecia confundir com as grelhas televisivas dirigidas ao público-alvo. Era mais que cinema de super-heróis, aliás os super-humanos eram só pretexto para uma pertinente crónica sobre a mortalidade e os valores afetivos. Os fãs, então gerados, solicitavam constantemente uma sequela, uma resposta ao jubilante cliffhanger, mas tais desejos foram recusados, por outras palavras, adiados e adiados até contabilizarmos 14 anos ( uma espera que fecundou continuações desnecessárias desde Carros a Dorys, com a exceção de um excecional Toy Story, mas isso são outros contos).

Este Incredibles 2, agora sem o “The” (mas novamente com Brad Bird), é uma animação sob um batido signo de família e união, porém, esses “trapos” são costurados com peças modernas que dialogam com os novos tempos. Há um lado de emancipação feminina visada pela inversão dos papéis de género. Ele torna-se “dono de casa desesperado”, ela vai de viagem de negócios. Essa troca de identidades sociais revesse como o polo criativo desta jornada Pixar, calculado com humor astuto e do coração bem disnesco que se reconhece a léguas.

Contudo, a viagem, por mais agradável que seja, um revisitar a estes heróis calorosos, é ditada por um triste sabor de revisão, de beco sem saída na originalidade hoje tida como raridade. Fala-se pelo meio de fantasmas da NSA, coloca-se a questão queixada por Alan Moore e a sua obra-prima Watchmen, porém, esses ingredientes servem como faíscas de ação e reação num produto que se constrói em terreno seguro. Quando chegamos a um ponto em que, visualmente, a animação já não parece surpreender, deve-se tocar o botão de emergência da Pixar, há que procurar além da história, novas formas de contá-la.

Real.: Brad Bird / Int.: Carig T. Nelson, Samuel L. Jackson, Sophia Bush, Holly Hunter, Catherine Keener, Isabella Rossellini