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Take
17.2.17

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Não se metam com o John Wick, segunda parte!

 

Depois da velha cantiga de "homem de barba rija" que o antecessor possuía (aquela psicologia barata de que um homem não pode nutrir sentimentos por um animal, condenou a simplicidade da acção em um statement a uma fantasia de masculinidade), esta sequela avança num tom despreocupado, mas igualmente estilizado e quase ritualista perante uma subversiva distopia.

 

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Não há que enganar, este é o produto de acção do cinema recente que mais próximo se encontra do fenómeno Matrix (e não é só pelos ajuntamentos de Keanu Reeves e Laurence Fishburne que replicam aqui diálogos de "pílulas", neste caso concreto, decisões). É a manipulação da realidade, traiçoeira à nossa percepção que funcionou como o melhor elemento do primeiro filme, e aqui o trunfo desta sequela de agenda. O submundo de hitmans, altamente organizados por oligarquias e regras sob regras, contratos e até poder monetário próprio, a relevância desta camada no quotidiano que julgávamos ser … simplesmente o "nosso" quotidiano, reflectem, como é figurado numa das sua sequências de acção, na alma deste projecto.

 

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A Reeves é devolvido a sua aura de herói de acção, o protótipo evolutivo da imagem estendida dos anos 90 até à transição do novo século. Este John Wick é o novo Neo, o herói de acção dedicado a uma geração habitualmente pobre nesse registo. Esta "sequelite" serve como um upgrade elegante ao primeiro tiro de 2014, que igualmente não foge das evidentes cuspidas dramaticamente "enfáticas" que tentam atribuir um teor de tragédia a este assassino em saldos em constante "vicio de vingança".

 

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Como continuação, largando as amarras introdutórias, Chapter 2 opera, sem intervalos, num ensaio de pancada que salienta, sobretudo, as mestrias da edição e da coordenação entre cenas. Chad Stahelski, o realizador que ficou, declara amor a Matrix e o legado deixado por esse frenesim cyberpunk dos irmãos Wachowsky no cinema de género (com isto, sem nunca requisitar o "bullet time" e outros maneirismos estilísticos). O tributo é feito na recriação da a sua filosofia de pacotilha, envolvida numa ode à violência hiperactiva e a adrenalinas artificialmente induzidas, assim como referências visuais (Reeves e McShane dialogando na praça, tem tanto de Neo e Oráculo).

 

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Contudo, as menções não terminam aqui, Chapter 2 reserva-nos uma homenagem directa a um dos mais letais e tenebrosos assassinos do Cinema, Django, com a entrada de Franco Nero em cena. Vendo bem as contas, porque não encarar esta nova personagem de Keanu Reeves como um "prodígio" sanguíneo da célebre encarnação de Franco Nero?  

 

"You stabbed the devil in the back. To him this isn't vengeance, this is justice."

 

Real.: Chad Stahelski / Int.: Keanu Reeves, Riccardo Scamarcio, Ian McShane, Franco Nero, Ruby Rose, John Leguizamo, Laurence Fishburne, Common, Claudia Gerini

 

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publicado por Hugo Gomes às 11:57
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16.2.17

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Há uma muralha que separa Yimou Zhang do seu cinema!

 

Existe uma linha directa que une este megalómano blockbuster chinês com o mais recente filme de Jia Zhang-ke, Mountains May Depart (Se As Montanhas Afastam). É tudo uma questão de identidade, e a China tem sido uma das civilizações mais fustigadas pela injecção ocidental e globalizada dos tempos que decorrem. No referido de Zhang-ke, num futuro próximo, existirão escolas para reabilitação da cultura chinesa, onde chineses estudam para ser chineses e manter vivo as suas heranças.

 

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Em The Great Wall (A Grande Muralha), a produção mais cara até à data em território chinês, é um exemplo de como o cinema, por vias de chegar a um vasto leque de audiências, abdica da sua essência hereditária em prol de um espectáculo contagiado pelo modus operandi dos grandes estúdios norte-americanos. O mais frustrante desta experiência é o nome Yimou Zhang surgir nos créditos. O realizador de épicos chineses como Hero e House of Flying Daggers, revela a sua fascinação pelo luxuoso e pelo pomposo, mas "vende a sua alma ao Diabo". É um realizador convertido ao anonimato, tecendo uma câmara imparável que nunca em momento algum deseja "descansar" (aprendendo os tiques de um Michael Bay, por exemplo) e pela artificialidade com que esta narrativa tende em recriar.

 

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No geral, esquecendo de nomes, A Grande Muralha é de uma ciência básica no storytelling, requisitando estrelas internacionais para induzir conteúdo mitológico a audiências habituadas à linguagem do cinema blockbuster. Tal, como manda esses contratos "faustianos", esta produção cede-se aos lugares-comuns, ao humor ligeiro de puro comic relief (encarregue por Pedro Pascal), à submissão dos efeitos visuais e a um argumento de uma imaginação pobre e preguiçosa. Em terras do wuxia faz-se "coisas" destas. Resultaria, se não fosse tão desprovido do efeito série B. No fim de contas, Jia Zhang-ke é que tinha razão, a identidade é valiosa, mas igualmente frágil.

 

Real.: Yimou Zhang / Int.: Matt Damon, Tian Jing, Willem Dafoe, Pedro Pascal, Andy Lau

 

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publicado por Hugo Gomes às 12:22
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15.2.17

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Será que ainda ecoa o "Lust for Life"?

 

"És um turista no teu próprio passado", quem nunca sentiu tal saudosismo a apoderar-se no nosso ser, não sabe decerto o que é ser humano. As recordações guardadas soam como parasitas que nos esventram lentamente e, após a sua embusteira liberdade, nos acarretam por tempos vividos sob a sombra de um passado longínquo.

 

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Como diz o ditado popular, "o tempo não volta atrás" e Danny Boyle sofre exactamente desse mal, dessa tendência de olhar para antecedentes, de se assumir como o turista na sua própria carreira. Nada contra a essa nostalgia que nos faz reflectir o que somos e o que seremos, porém, o nosso Boyle deveria mentalizar que ele próprio mudou, a jovialidade foi-se, o toque anarquista e despreocupado são agora meras ilusões ópticas, o "choose life" em tempos de discórdia converteu-se num slogan de campanhas de marketing. Não se trata da advertência "não voltes ao lugar onde foste feliz", mas sim "não voltes ao ponto em que te reinventaste"e Trainspotting (1996) foi esse mesmo marco.

 

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Passados 20 anos, eis um retorno a estas personagens "miseráveis", a estes misfits que nos conduziram aos becos fechados da podridão humana, agora sob as inspirações do livro Porno, de Irvine Welsh. Quem não se lembra da pior casa de banho de toda a Escócia? Com T2 (não, não é a sequela de Terminator) somos inseridos a um ato de réplica, desprovido da anterior desarrumação (que segundo as personagens é um sinal de masculinidade) e apenas aceite como qualquer nostalgia mercantil que hoje parece abundar nesta indústria. Mas o ensaio underground está infectado (sentimos o cheiro da emocionalidade bacoca) pela negritude dramática dos trabalhos posteriores de Boyle e um happy ending do típico estilo crowd pleasure.

 

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Provavelmente, o problema não está nesta "nova" reinvenção com foco nas glórias passadas, mas no regimento dos planos: "primeiro vem a oportunidade, depois a traição". Pois bem, Danny Boyle teve a sua chance, só que vergou num processo de auto-traição, até porque o "gosto", evidenciado no momento em que Renton (EwanMcGregor) tenta reconfortar-se na sua velha colecção de vinis, tem a irritante tendência de alterar. 

 

"It's just nostalgia! You're a tourist in your own youth. We were young; bad things happened."

 

Real.: Danny Boyle / Int.: Ewan McGregor, Ewen Bremner, Jonny Lee Miller, Robert Carlyle

 

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publicado por Hugo Gomes às 18:28
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11.2.17

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Quando o sadomasoquismo é conservador!

 

No preciso momento em que Marlon Brando pediu a manteiga a Maria Schneider, do cinema erótico pouco faltava para transgredir. A última "pedra" foi com Gaspar Noé e o seu Love, mas isso é outra história. Quanto a Fifty Shades Darker (Cinquenta Sombras mais Negras) ... o que está em causa é um produto vindo da mais defeituosa linha de montagem, existindo mais interesse em apelar aos fãs do livro, reduzindo-se a uma adaptação de adereços, do que propriamente apostar no campo do cinema erótico.

 

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Pois sim, de erotismo este episódio nada tem, e muito menos o teor explicito, apenas dissecado no product placement de qualquer sex shop. Esta sequela, agora sob o cargo de um homem e com maior intromissão da autora E.L. James no guião, não dá dignidade a Anastasia Steel, ao contrário do filme anterior, em que a realizadora Sam Taylor-Johnson tentava perante tão afamado material "infectar" a personagem num "loop" que percorria os mesmos traços de 9 1/2 Weeks. É tudo igualmente púdico, limpo e absolutamente vendido à "pop culture" da MTV (a banda sonora é um autêntico balde de gelo perante qualquer atmosfera sensual).

 

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Os actores nada se esforçam e ambos revelam se limitadíssimos em "rasgar" as suas personagens de papelão. A entrada de Kim Basinger, a única referência pura ao filme de Adrian Lyne, é uma piada de extremo mau gosto, até porque no que diz respeito a personagens secundárias, Fifty Shades Darker nada tem de submissão (o que interessa são os protagonistas, os restantes são adereços). Assim continuamos a criar fenómenos sem razão, a sermos escravos de um marketing bondage, e a ser histéricos por um material "kinky" para maiores de 16 anos.

 

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Depois de Paul Verhoeven ter apresentado em Elle que é possível representar mulheres numa jornada em busca das suas fantasias sexuais, é quase uma censura moral sermos presenteados com um filme sobre sexo tão inofensivo que até o próprio tempo de antena lascivo é um mero embaraço narrativo. Na televisão conseguimos ver bem mais.

 

Real.: James Foley / Int.: Dakota Johnson, Jamie Dornan, Eric Johnson, Kim Basinger, Rita Ora, Marcia Gay Harden

 

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publicado por Hugo Gomes às 18:29
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O Cavaleiros das Peças!

 

"Preto. Todos os grandes filmes começam com o ecrã preto. Logos. Grandes logos." É com este monologo, envolvido em escuridão, com que embarcamos numa segunda entrada no universo LEGO no grande ecrã. Contam-se dois anos depois do bem-sucedido filme inaugural e, como os tempos áureos de capitalismo cinematográfico exigem, porque não rentabilizar esta mina de ouro do merchandise?

 

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A resposta encontrada para "espremer a fruta" foi com Batman, que para além da imortalizada personagem da DC Comics, assumiu-se como um dos secundários mais deliciosos do êxito de 2014. Aqui, o "homem-morcego" (sob a voz de Will Arnet) torna-se no centro desta hiperactiva animação dotada de gags que encantam miúdos, assim como graúdos. Em The LEGO Movie, o que entendíamos por aventura animada, desdobrava-se numa crítica à homogénea colectividade, às "massas" e aos estereótipos que ousam em operar como inserções sociais. Em The LEGO Batman: O Filme, a coisa começa por satirizar o próprio mercado cinematográfico, os blockbusters e os sistemas de produção, para cair na ainda usada campanha de moralismo quase "disneyesco". Faltam os objectivos da paródia, carece maturidade no tratamento destes "brinquedos" e perde-se o encanto num grafismo tão mirabolante que até dói ao olhar.

 

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Sim, The LEGO Batman: O Filme não faz jus ao seu antecessor, mesmo que, dentro desta cartola de gags e spoofs, existam alguns "coelhos da cartola" bem tirados. Porém, tudo se resume à mesma cantiga dos valores de mercado, não ofende (tirando as ocasionais farpas lançadas à concorrente Marvel), não transcende, e é apto para todo tipo de audiências. E sim, esta versão de Batman continua a ser a mais caricata (desculpa Adam West e George Clooney) que se pode encontrar no historial cinemático desta personagem tão vincada na nossa cultura.

 

Real.: Chris McKay / Int.: Will Arnett, Michael Cera, Rosario Dawson, Zach Galifianakis, Ralph Fiennes

 

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publicado por Hugo Gomes às 18:26
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6.2.17
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Histórias de Camelot!

 

Há quem refira Jackie como um retrato de luto, a persistência no estatuto e o trago de futilidades ao serviço de uma utilidade, essa, a dignidade até ao último tomo. Pois bem, para além da mulher representada, submetida a uma longa entrevista que por si ironiza a natureza da biopic convencional, este é a entrada de um dos mais prolíferos realizadores do nosso tempo - o chileno Pablo Larrain - ao mercado de Hollywood. No mesmo ano em que nos havia apresentado Neruda, um enredo que ligava marcos na vida do poeta e activista político Pablo Neruda, Larrain avança com uma história tão yankee, e a despe dessa ocidentalidade em prol do seu olhar cinematográfico. Jacqueline Kennedy, relembrada nos livros de História como a mulher de JFK, é agora elevada a protagonista, tornando-se na "boneca" desta experiência, assim o chamaremos. 

 

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Enquanto que Neruda foi o esboço, Jackie é "a prova dos nove". Neruda foi a desfragmentação, e em Jackie encontramos a fragmentação. Enquanto que um usufruía da liberdade em ficcionar, o outro tende em encontrar liberdade por entre a agenda de Hollywood. Mas Jackie, em todo os casos, é um oásis nesse deserto que têm sido os biopics da "award season". É a catarse da História escrita e difícil de rescrever, Larrain usufrui dos seus falsos raccords que atropelam a fluidez dos diálogos, e de certa maneira, ainda bem. Existe camadas sobrepostas e interpostas nesta narrativa que remexe em prol de um vórtice e esse mesmo, sob leve cinismo, gradualmente cedido à dor oficializada da protagonista.

 

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Natalie Portman é essa mulher, sujeita a uma culpa egocêntrica pelo movimento desta caldeira memorial. Não importa a veracidade do campo narrativo, a fidelidade com as personalidades e os eventos, marcantes, reduzidos a cenas e mais cenas. Não, o que torna Jackie devidamente conquistador, é a sua resistência na tradução dessa mesma veracidade, metamorfoseado. Pena que Natalie Portman funcione como uma mimetização, algo representativo, onde serve de rebelião o olhar para com a rigidez da sua personalização.

 

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Dito isto, ficamos com uma biopic autoral devidamente inserida no universo de Larrain, e que é enfraquecida pelas suas tentativas de assumir-se na convencionalidade de estúdio. Portanto, esperemos com agrado pelos desenvolvimento da carreira do chileno em terras de Hollywood, cuja estreia, os derradeiros suspiros da última família real norte-americana, o qual tornou a Casa América na tão requisitada Camelot do Rei Artur.

 

"I believe the characters we read on the page become more real than the men who stand beside us."

 

Real.: Pablo Larrain / Int.: Natalie Portman, Peter Sarsgaard, Greta Gerwig, Billy Crudup, John Hurt

 

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7/10

publicado por Hugo Gomes às 20:05
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1.2.17

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Unidos, mas igualmente separados

 

Em Cannes de 2015, Brillante Mendoza apresentaria, em secção Un Certain Regard, Taklub, uma suposta homenagem aos sobreviventes do super tufão Haiyan, que abateu as Filipinas em 2013, vitimando mais de 6.300 vidas. Um episódio catastrófico que nem mereceu a atenção da imprensa global (apesar de ser visto como um dos mais fatais desastres do sudoeste asiático). Tendo em conta esse factor, Mendoza decidiu conceber um filme para reavivar essas mentes que infortúnios como estes acontecem nos quatros cantos da Terra e que cada vida, merece sim, a sua solidariedade. Muito antes disto, em 2002, uma antologia de curtas sobre os atentados do 11 de Setembro de 2001 encontrava-se a ser produzida para a criação de um filme colectivo. Por entre os realizadores convidados a integrar o projecto (11'9"01 September 11), um deles, Ken Loach, decidiu abordar um outro 11 de Setembro, o dia negro que marcou o Chile em 1973, totalmente esquecido na actualidade.

 

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O que queremos insinuar com estes exemplos, não é o menosprezo das vidas perdidas nos atentados de Boston em 2013, onde duas bombas explodiriam por entre a multidão que assistia à maratona festiva de Patriots Day. Os medias captaram, em completa sintonia, o incidente e o desenrolar destes, terminando na captura dos autores desse tal acto. Mediatismo é a essência pelo qual compõe este Patriots Day, a nova colaboração entre o realizador Peter Berg e o actor Mark Wahlberg, que resultou em mais um desesperado e desonesto filme sobre a "força" inerente dos EUA.

 

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Era de esperar algo do género. Porque honestidade e reflexão não são com esta dupla pela qual, relembramos, presenteou-nos com um dos piores filmes bélicos recentes (difícil, visto que não têm sido poucos). Em Lone Survivor, deparávamos com a réplica do videojogo Call of Duty, onde a acção rebuscada e as densas palas "patriotas" eram motivo que bastasse para incutir uma indigna homenagem a "heróis caídos". Heróis? Questionamos os actos. Aliás, assim como deveremos questionar os propósitos desta homenagem às vidas perdidas de Boston, juntamente com a vendida frase - "baseado em factos verídicos".

 

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Patriots Day arranca com um choque completo, tudo é filmado com um handycam constantemente inquieto, auferindo um tom vérité e claro, a aproximação com a plataforma jornalística. Todavia, é apenas isto que Berg, "pupilo" de Michael Mann, consegue fazer. Nesse mesmo jogo, não referido o seu "sensei", um outro realizador, Paul Greengrass sempre havia evidenciado uma certa orgânica da câmara em consolidação com a acção, enquanto que o nosso Berg se perde por constantes batalhas de planificação de última hora, dando uma essência certinha e igualmente desorganizada. Não é found footage meus amigos, é entretenimento "tremido".

 

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Depois de apercebermos o desvaire técnico, seguimos ao encontro de uma panóplia de personagens, 90% delas sem relevância para o enredo em si. São representações, faces das vítimas com todo aquele cenário pastiche e pastelão por detrás. São seres de pura felicidade, como se não existissem conflitos numa Boston antes dos atentados. Perfeitos seres humanos, preenchidos com amor, dedicação e harmonia em todos os seus poros. Esta Boston é um protótipo de cidade perfeita … isso se acreditarmos na hipocrisia das imagens, nesta manipulação "branqueada" que nos leva à outra face da moeda - os autores do atentado. Estes muçulmanos "radicais", cujos ideais oscilam violentamente para anarquismo, acima de qualquer statment político, são seres torturados por um maniqueísmo sem tréguas. Num filme, onde as outras personagens gozam de uma tremenda "joy" em cadeia, estes islâmicos são ainda reduzidos a estereótipos embutidos.

 

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Patriots Day nem sequer tenta disfarçar as suas ideias perigosas, estas servidas de bandeja como uma homenagem às vítimas. O que vemos é um perigoso ensaio da actualidade norte-americana. Mark Wahlberg discursa até certa altura sobre o bem e o mal. Os ponteiros do maniqueísmo sobem a pique. E a sequência final, mais um na tendência de epílogo documental de testemunhos e imagens reais funciona como um soco de realidade à cara do espectador: "o que dissemos até agora é tudo, mas tudo, verdade". E os nossos antagonistas a proclamarem "vamos matá-los os todos". Peter Berg é um artesão de um raio em lavagens cerebrais, e conseguiu mais um feito, e dos grandes. 

 

Real.: Peter Berg / Int.: Mark Wahlberg, Michelle Monaghan, J.K. Simmons, John Goodman, Kevin Bacon

 

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publicado por Hugo Gomes às 23:57
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1.2.17

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M. Night "fragmentado" Shyamalan!


Depois do sucesso contido de The Visit, era com tamanha expectativa que se aguardava este retorno de M. Night Shyamalan à sua zona de conforto - o thriller convencional - sem com isto insinuar que o género adquire banalidade nas suas mãos.

 

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Split é o típico filme que o realizador poderia ter feitos anos atrás, na altura em que banhava dos "raios de sol" transmitidos pelo frenesim de The Sixth Sense e do ameno sucesso de Unbreakable. É um projecto limpo, longe das "invenções" que condenariam o autor aos olhos do público e da crítica mais generalizada. Porém, foram essas transcendências, pelo qual vislumbramos a melhor das facetas de Shyamalan, o conhecimento dos códigos do thriller de estúdio e a vontade de desmontá-los para depois reconstruí-los de forma desafiante. Nesse ponto, salientamos a parábola de The Village (hoje visto como a sua "obra-prima") e o "condenável" The Lady in the Water, a análise corporal da fábula que resultou num dos seus filmes mais criticados (mas dos mais resistentes em questões de revisionismos temporais).

 

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Mas em Split, o que evidenciamos é uma jogada segura, onde a ousadia é apenas uma "provocação" míope. A intriga de um psicopata de 23 personalidades, tendo como base uma história verídica de Billy Milligan, daria facilmente numa obra complexa e formidavelmente agressiva. As primeiras notícias em relação a este projecto apontavam para Leonardo DiCaprio como um eventual protagonista, um actor de método Strasberg que facilmente direccionaria a obra para campos psicologicamente, como também, fisicamente improváveis. A alternativa encontrada foi James McAvoy, que nunca encontra o "norte" nesta multifacetada tendência ao improviso, ou a personificação automática, falhando redondamente na atribuída credibilidade na(s) sua(s) personagem(ns).

 

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É um rapto que nos transporta directamente para os confins do "exercício de cerco", para depois incendiar-se como uma catarse de contornos sobrenaturais aos limites da mente humana, da mesma maneira que Scarlett Johansson foi vítima em Lucy, de Luc Besson. Mas Shyamalan faz desta sobrenaturalidade, um equinócio de dois teores, uma sugestão a ser abordada com o maior dos cepticismo por parte do espectador. Um banalizado jogo de gato e rato que serve como prosseguimento neste pesadelo "freudiano". Uma "roda furada" apenas sustentada pela constante oposição de Anya Taylor-Joy (The Witch) e pelos toques "shyamalanos" (poderemos chamar assim) que nos faz respirar ocasionalmente de alívio (a evidenciar mais um "conto" de fé e superação individual). O autor encontra-se novamente confiante e como tal, esperemos que este medíocre episódio sirva de apelo para um novo universo que aí avizinha-se chegar.

 

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Enquanto The Visit, onde o found footage demonstrou a sua medula óssea, em Split, "saboreamos" o regresso de um realizador acima da industrialização, porém, cedido a esta para sua própria sobrevivência. Sim, Shyamalan, temos que falar ... seriamente ... porque o teu futuro não se resume somente a sobreviver.


"The broken are the more evolved."


Real.: M. Night Shyamalan / Int.: James McAvoy, Anya Taylor-Joy, Haley Lu Richardson

 

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5/10

publicado por Hugo Gomes às 02:00
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22.1.17
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No vale das "sereias"!

 

Cláudia Varejão prometeu-nos sereias, e à sua maneira, ofereceu-nos um grupo delas neste Ama-San (vencedor da Competição Portuguesa do Doclisboa 2016). Uma comunidade tradicional de mulheres que aventuram-se no mar para sustentar famílias, uma visão que tem seguido séculos e séculos de História nipónica.

 

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O fio tecido que protege os avanços tecnológicos dos seus mergulhos, são as réstias dessa tradição abraçada com a sempre avante modernidade, mas nem por isso que o estatuto destas deixa-se desvanecer pela mudança dos tempos. Varejão compara-as com as "mulheres de Caxinas", o exemplo português mais próximo desta sociedade falada no feminino, para depois aventurar num ensaio antropológico que interliga os dois estados destas figuras; o Mar, esse berço de vida que as envolve em tamanha doutrina, e o mundo civil, a família que têm à sua espera para afeiçoar.

 

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Tal como o Japão, um país moderno que caminha lado a lado com a sua herança tradicional, Ama-San cria um paralelismo com a nação para depois seguir em "puro mergulho" num retrato de gestos e de costuras familiares. Mas a realizadora consegue, invejavelmente, com toda esta jornada a um Oriente pouco conhecido (a última vez que vimos esta comunidade no ecrã foi em 2009 numa curta-metragem de Amie Williams), uma estrutura narrativa quase ficcional no seio desta vertente de registo documental. Com a complementação das sequências submarinas que captam no espectador a sua faceta mais "zen".

 

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No geral, Varejão cumpre um belíssimo filme, contemplativo e nada apressado em "inundar" as audiências, faze-las sentir parte desta longa família, tão japonesa, com certeza. Sim, prometeram-nos sereias e aquilo que acabaram por nos dar foi o que de mais próximo temos destas mitológicas sirenias. Todavia, isto não se resume a alternativas, Ama-San é realmente um filme pelo vale a pena cedermos à sua delicada sedução.

 

Real.: Cláudia Varejão / Int.: Mayumi Mitsuhashi, Masumi Shibahara, Matsumi Koiso

 

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8/10

publicado por Hugo Gomes às 20:33
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22.1.17

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Tudo isto é triste, tudo isto é Fado!

 

A primeira longa-metragem de Jonas Rothlaender revela-nos uma história de ciúme e obsessão (contado com o auxilio da imaginação do protagonista) que tem como palco de fundo uma Lisboa filmada sob um olhar meramente turístico. Mas antes de desatarmos a apelidar este "esforço" de "europudim" perdido na tradução, vale a pena salientar a sensibilidade do realizador em procurar a medula desta cidade à beira Tejo. Como diz até certa altura uma das personagem habitantes deste Fado, Lisboa é uma cidade camaleão que se confunde com o estado de espírito da pessoa, enquanto alegres se transforma no recanto mais belo do pedaço, enquanto tristes a cidade veste o seu manto de melancolia e de tristeza derrotada.

 

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Talvez seja a cidade ser tão nossa que nos faz sermos exigentes com o olhar estrangeiro de Rothlaender, mas vejamos, muitos dos realizadores portugueses filmaram Lisboa com os mesmos olhos, contando com Bruno de Almeida e o seu The Lovebirds, até João Pedro Rodrigues e o seu gesto desencantado com Odete, e Marcos Martins e a sua busca numa cidade sem identidade com Alice. O único pecado do jovem realizador é a sua ambição de filmar os lugares comuns de Lisboa e as utilizar a favor de uma história carente em psicologia, mas apta nas insinuações emocionais. Com isso junta-se uma certa miopia e não ir mais longe, e ocultado, o desejado de por fim, integrar a alma de Lisboa, invocando o seu lado camaleônico ao extremo. Chegamos ao ponto de desejar o iminente desastre.

 

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A obsessão, o ciúme, a ameaça de crime passional preenchem a intriga, que nos dá o ar de "faz-de-conta", de insuflação automática ao serviço de um co-produção. Mas nem isso, Fado, esse sentimento que só os portugueses parecem conhecer, leva o filme ao desastre. Apenas precisávamos mais de paixão no argumento, e menos fixação no cenário.

 

Filme visualizado no 14º KINO: Mostra de Cinema de Expressão Alemã

 

Real.: Jonas Rothlaender / Int.: Golo Euler, Luise Heyer, Albano Jerónimo, Duarte Grilo, Rui Morisson

 

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publicado por Hugo Gomes às 10:50
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20.1.17

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"Tu nada viste sobre Fukushima"!

 

À primeira vista, Grüße aus Fukushima (Fukushima, Meu Amor) tem como ponto partida o mítico filme de Alain Resnais. Em primeiro lugar, ambos especificam um desastre em terras nipónicas – uma Hiroshima devastada pela bomba atómica lançada pelos norte-americanos durante a Segunda Guerra Mundial no caso de Resnais, o acidente nuclear que ocorreu após um terramoto e tsunami que lançaram o caos na cidade-título no filme de Doris Dörrie. Mas as semelhanças não ficam somente pelo cenário / título, mas sim em como o passado assume o seu peso na jornada de duas personagens que gradualmente debatem os seus fantasmas – esses maus espíritos que se agarram e dificilmente se vão. 

 

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A obra de Dörrie arranca com uma jovem alemã (Rosalie Thomass) que sob um pesar de sonhos desfeitos viaja para o Japão, mais concretamente a dita “cidade-fantasma”, para ter o contacto com a desgraça total de forma a amenizar o seu próprio sofrimento. Um acto egoísta iludido na solidariedade, que logo cedo faz com que a protagonista ceda à sua realidade: “não passo de uma mulher branca, de classe média e alemã”. Neste momento, o filme torna-se claro e preciso na sua jornada: a cineasta germânica não estava interessada em delinear mais um caso de “culpa branca”. Ao invés disto, prefere abordar a sua experiência pessoal. 

 

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Segundo a realizadora, tendo amizades no Japão a notícia do desastre de Fukushima a fez partir num ato solidário, gesto que a fez entender o quanto pequenos e insignificantes somos perante ao sofrimento alheio – assim como privilegiados os europeus são. Exactamente como Emmanuelle Riva em Hiroshima, Mon Amour, que tentava convencer Eiji Okada, o seu amante japonês, que entendia o sofrimento da cidade em ruínas, ao que este respondia persistentemente “tu nada viste sobre Hiroshima” – uma frase intercalada por imagens reais do cenário. 

 

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Fukushima, Meu Amor não se torna evidente perante esses propósitos, mas assim apercebemos dessa linhagem quando a nossa protagonista revela, por fim, o seu “grande” pesar para com uma habitante da cidade (Kaori Momoi) – depois da personagem e do espectador testemunharem as vivências da nativa. A sua tristeza, a desgraça da jovem alemã, é despertada e automaticamente dissipada. Não é nada, em comparação do que esta “gente vive” e que mesmo assim persistem em caminhar perante um pesado passado. “Tu nada vistes sobre Fukushima”, uma frase não existente, mas que tão bem poderia integrar neste enredo com tendências de um neo-realismo disfarçado. 

 

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Doris Dörrie constrói um filme positivo em cenários negativos, um improvável “feel-good movie” que nos faz sair da sala a apreciarmos os nossos percursos, a fazer tréguas com os nossos fantasmas e a reconciliar com aquela felicidade que sentimos inatingível. Depois temos o espectro de Yasujiro Ozu a pairar nesta narrativa e no espectador, indo daquele plano à beira-mar convidativo para com as memórias de Tokyo Sonata até ao signo de “a felicidade não se espera, cria-se”. Neste caso, recria-se -  como a reconstrução das nossas recordações. Um comovente filme que nos faz querer acreditar na reencarnação como forma de anestesiar dores de alma.

 

Filme de abertura do 14º KINO: Mostra de Cinema de Expressão Alemã

 

Real.: Doris Dörrie / Int.: Rosalie Thomass, Kaori Momoi, Nami Kamata

 

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8/10

publicado por Hugo Gomes às 15:51
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19.1.17

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"Velocidade Furiosa 7.2"!

 

Com que então Xander Cage está vivo! Matá-lo foi uma decisão a qual os produtores cedo arrependeram-se –  tendo em conta os resultados pouco animadores da sequela / spin-off de 2005, onde substituíam o ascendente Vin Diesel por um Ice Cube em extremo modo de “grumpy cat”.

 

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Passados 12 anos, eis que surge a continuação “digna” do sucesso de 2002, um filme apenas possível graças ao desespero da sua estrela em agarrar os seus antigos êxitos. Parece que os problemas são os seus fãs, estes que estiveram nas “tintas” para a sua tentativa ao Óscar em Mafioso Enquanto Baste (provavelmente o filme mais “cinematográfico” da carreira de Diesel, sob as ordens do lendário Sidney Lumet), salivando apenas para mais entretenimentos instantâneos, como manda esta Hollywood tão Bollywood. Consequência? É ressuscitado Velocidade Furiosa, pelo meio um Riddick e agora esta aspiração de outros tempos –  um xXx demasiado preso ao narcisismo da sua estrela.

 

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O filme é uma versão “light” de Fast & Furious, com Vin Diesel a formar uma nova equipa sob os mesmos moldes culturais e com missões de “encher chouriço” para longas e toscas sequências de acção que nada adiantam ao enredo. Não é que procurássemos nesta “aventura” um dos pilares máximos do cinema enquanto Sétima Arte, mas o efeito paródia que o original transpirava é desfeito por uma produção igualmente séria e desmiolada. Personagens descartáveis, cameos desnecessários (Neymar entra na industria pela “porta pequena”), diálogos sem utilidade e gags previsíveis e sem criatividade fazem as “maravilhas” dos espectadores.

 

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Vale pelo pouco “malabarismo” marcial de Donnie Yen, cada vez mais requisitado nas produções hollywoodescas (ao contrário de Tony Jaa, que nunca é devidamente utilizado). Quanto ao resto… bem, o resto é engodo. Um aperitivo somente apropriado para quem não aguenta esperar pelo oitavo filme de um certo franchise bilionário. Se é para brincar aos “espiões”, fiquemos com a classe politicamente incorrecta de Kingsman.

 

Real.: D.J. Caruso / Int.: Vin Diesel, Donnie Yen, Deepika Padukone, Ruby Rose, Nina Dobrev, Toni Collette, Samuel L. Jackson, Tony Jaa

 

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2/10
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publicado por Hugo Gomes às 16:12
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17.1.17
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Faz-se o Silêncio de Deus … e de Scorsese!

 

Será Silence (Silêncio) a esperada epopeia da carreira de Martin Scorsese? O projecto constantemente adiado, por diversas vezes caracterizado como o “filme de uma vida” para o nosso movie brat, resultou numa obra que falha os objectivos do cinema mais ocidental.

 

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Scorsese, actualmente detentor de uma liberdade vivida nos grandes estúdios (e The Wolf of Wall Street foi o exemplo dessa “delinquência criativa”), afasta-se completamente do círculo fechado do chamado “Filme de Óscares” e aposta num storytelling sobretudo oriental. Aliás existem referências, planos “copiados” e uma fotografia que nos situa no foco do cinema nipónico, passando por Mizoguchi, Ozu e claro, visto o realizador ser um assumido admirador, Kurosawa. Talvez essa panóplia cinéfila nos satisfaça como o prazer de uma memória arrastada numa sétima arte fora dos habitués de Hollywood.

 

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Mas Silêncio reserva-nos mais que uma loja de souvenirs. É um filme sobre a fé, concebendo (da mesma maneira que The Last Temptation of Christ o fizera em 1988) um autêntico lobo sob vestes de cordeiro.  Curiosamente, o primeiro visionamento de Silêncio ocorreu no Vaticano sob o olhar de cardeais, bispos, jesuítas, e por último e não menos importante, o Papa Francisco, que declarou o seu agrado com o resultado final. Mesmo sendo um filme de fé (Martin Scorsese é um homem crente), Silêncio apodera-se de uma história de época (baseado no livro de Shûsaku Endô, anteriormente adaptado por Masahiro Shinoda em 1971) para entranhar-se como um statement crítico às bases das instituições religiosas, um enredo que se inicia com a viagem de dois padres jesuítas portugueses a um Japão feudal que teima em não ser “baptizado”.

 

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A perspectiva cristã evidencia-se como uma “pala”, cozendo-se em tendências colonialistas e obtendo como resposta a selvajaria de uma civilização do Oriente. Andrew Garfield (que aprende japonês, mas nunca uma palavra portuguesa com excepção de “Paraíso”) assume o protagonismo em mais uma “cruzada” após o fracasso de Hacksaw Ridge, o filme antiético do extremista Mel Gibson. A sua personagem em Silêncio serve como uma catarse às entidades heróicas que hoje tendem em posicionar-se na base do cinema norte-americano. Porém, a câmara não filma tal heroísmo.  Scorsese recusa a promover o seu catolicismo materializado. Passando por um efeito “desastreà lá Herzog, sentimos neste primeiro terço, os toques de uma animalidade produtiva, algo que possa ser equiparado a um Fitzcarraldo.

 

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No segundo tomo, somos envolvidos em personagens nipónicas budistas que, gradualmente, rasgam os seus disfarces de antagonistas sádicos. A partir deste momento o confronto entre as duas crenças levam o espectador a uma tremenda “faca de dois gumes”: De um lado, os métodos primitivos de induzir a fé instantânea e, do outro, a arrogância do nosso herói em "espalhar a sua verdade".

 

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A caminho recto do desfecho é que contactamos com a dimensão crente de Scorsese que se esconde num filme multi-disfarçado, nada contra a essas declarações de fé. Aliás, a Humanidade de hoje é incapaz de viver longe de tamanhas convenções afectuosas, idealistas e até politicas ("a religião é o ópio do povo" como dizia Karl Marx). O que de impressionante Silêncio possui na sua jornada é a sua fidelidade com um templant meramente oriental, a evasão ao evangelismo e a concretização de uma fé unificada.

 

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"Step on me, my Child", sussurra Jesus num verdadeiro acto de aparição, ligando este filme fora do seu tempo, seco e empestado pelas inúmeras referências (hoje incontornáveis), ao seu A The Last Temptation of Christ, umbilicalmente unindo a mistificação do primeiro com a desmistificação do martírio do segundo. O sofrimento em via-sacra de Garfield, as suas arrogantes aspirações em tornar-se num Messias de uma Igreja megalómana, pode muito bem tecer o paralelismo com a sedução de Satanás perante o Nazareno no seu retiro no Deserto, na dita obra de 1988.

 

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Um Admirável Velho Mundo sob a sonoridade minimalista da dupla Kluge, num dos maiores injustiçados da award season. Já agora, fica a recomendação da semi-versão portuguesa, Os Olhos da Ásia, de João Mário Grilo, datado de 1997.

 

Real.: Martin Scorsese / Int.: Andrew Garfield, Adam Driver, Liam Neeson, Ciarán Hinds, Issei Ogata, Tadanobu Asano

 

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8/10

publicado por Hugo Gomes às 17:40
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12.1.17

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Chamar-lhe "coming to age" é pouco!

 

"O Cinema é a arte do sensível, e não só do visível" já dizia Jacques Rancière num dos seus ensaios sobre a obra de Béla Tarr. Talvez seja essa a ligação emocional que traz algum sabor nostálgico e agridoce a esta nova obra de Ira Sachs, um realizador que tem merecido a atenção da crítica e cinefilia desde Love is Strange.

 

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Enquanto o enredo dessa obra seguia um casal homossexual pronto a oficializar a sua relação de quarenta e poucos anos, em The Little Men (Homenzinhos), o intuindo da fraternidade não consanguínea volta a ser destacada, os afetos sob o signo inocente de uma amizade entre duas crianças, cujos progenitores iniciam um confronto de interesses.

 

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É um registo ameno, simplista na sua concepção e na forma como os actores induzem nos espaços. Aqui, os apogeus emocionais e os overactings que o espectador mais mainstream gosta de recordar, é posto de fora. O que conta é um sentimentalismo contido por um elenco que se funde nestas personagens, que tão bem poderiam partilhar a nossa realidade. Ira Sachs prima por esse “keep it simple”, usufrui de uma tendência quase proustiana em relação à juventude, galgando pela tenra carne do elenco jovem, servindo-os de condutor para uma perspectiva de "dois gumes" por entre mundos não combinados. O lado adulto, imperceptível para os nossos protagonistas, e os anos verdes, negligenciados por adultos inseridos em vórtices existenciais e ideológicos.

 

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Por um lado, Sachs vem beber da mesma água dos grandes exemplos do cinema de Linklater, mas ao contrário do registo sensorial de um Dazed and Confused (Juventude Inconsciente), por exemplo, vem culminado dum verdadeiro conto moral com início no incógnito e com desfecho incerto num futuro ainda por prescrever. Sem mais demoras, saliento que poderemos estar presentes num dos melhores exemplos cinematográficos do ano. Um pequeno grande filme!

 

Real.: Ira Sachs / Int.: Greg Kinnear, Jennifer Ehle, Paulina García, Theo Taplitz, Michael Barbieri, Alfred Molina

 

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8/10

publicado por Hugo Gomes às 19:31
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10.1.17

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O Bom Gangster!

 

Será Ben Affleck capaz de ressuscitar o apelidado cinema de gangsters na sua quarta longa-metragem, a segunda tendo como base um livro de Dennis Lehane? Definitivamente não. Nada de novo ou rejuvenescente parece querer germinar aqui. Eis um décor prolongado da Lei Seca e arredores que nos remete com um imaginário saudosismo. Mas este Live By Night (Viver na Noite) opera como uma confirmação da destreza e, sim, vitalidade do actor convertido a realizador por detrás das câmaras.

 

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A História de um homem "bom" (para implementar-nos em mais um confronto de consciências maniqueístas pintado sob tons cinzentos), que se vê gradualmente corrompido pela ambição ascendente no negócio ilícito (misturando por aqui uns certos toques de vingança), é a esperada rasteira na carreira de Affleck enquanto homem polivalente. Não pretendo com isto afirmar que este conto do vigário é um total desastre artístico. Para além do narcisismo do ator que ousa em protagonizar e adaptar-se a um ambiente envolto (fica o aviso: papéis de gangster não nasceram para Ben), é a câmara que ousa em "cuspir" no academismo-fantasma que nos faz prezar por este fracasso acima dos anonimatos que têm sido feitos para award seasons.

 

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Affleck parece determinado em recalcar as imagens perante uma narrativa que respira, ora vintage, ora uma dinâmica articulada. Veja-se, por exemplo, na condução de travellings e panorâmicas em espaços limitados, dando a noção de "acção" mesmo que o ato seja o simples abanão de gelo num copo de whiskey. No feito da direcção, e sem insinuar inovação, Viver na Noite aposta num registo dotado em reconstituições e em marcos coadjuvantes deste subgénero.

 

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O grande senão é o argumento, uma facada sem objectividade no livro de Dennis Lehane que resultou no mesmo modelo pastelão do qual são feitos as cinebiografias galardoadas, com as mesmas personagens esquemáticas e aprisionadas em estereótipos que, facilmente, habitam neste Universo. Uma ambição de curto rastilho, porém motivado no interesse de assistir a um dos mais bem-sucedidos atores-realizadores a operar na Hollywood actual.

 

Real.: Ben Affleck / Int.: Ben Affleck, Elle Fanning, Brendan Gleeson, Zoe Saldana, Sienna Miller, Chris Messina, Remo Girone, Chris Cooper

 

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5/10

publicado por Hugo Gomes às 18:42
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6.1.17

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Emoção à beira-mar!

 

Dramaturgo, argumentista e agora realizador (contando com três obras no curriculum), Kenneth Lonergan parece cada vez mais chamar a atenção no campo dramático do cinema norte-americano actual, e não é por menos. Manchester By the Sea é-nos apresentado como uma faca afiada de ênfases dramáticas e picos de emotividade através da, e somente, a adaptabilidade dos seus atores, neste caso especifico, Casey Affleck.

 

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Irmão mais novo da reascendente estrela de Hollywood, Ben Affleck, Casey é aquilo que vulgarmente poderíamos denominar de “ninja”, ninguém parece dar por ele, mas quando por fim se revela, é arrebatador. É difícil ficar indiferente ao seu underacting (vertente popularizada por Marlon Brando em que descredibiliza os rasgos de interpretação dramática). Actualmente, Tommy Lee Jones detém o título de mais sucedido dessa categoria, porém, Affleck converte-se numa autêntica carta de trunfos ao conseguir fugir das eventuais armadilhas do campo da comédia involuntária que a sua personagem e enredo parecem suscitar. Por exemplo, a sequência do hospital, após o anúncio de morte do seu companheiro confraternal, a sua visível indiferença abate-nos com um indigestível sabor de dúvida. Por momentos suspeitamos de “canastrice”, mas cedo somos engolidos pela sua figura vencida pela dor, cuja origem será desvendada mais tarde.

 

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Sim, Casey Affleck é o melhor que o novo filme de Lonergan tem para nos oferecer. O resto induz-nos para o maior engodo de “colo”. Ao contrário das aclamações que têm sido viabilizadas lá fora, Manchester By the Sea é enfraquecido pela tendência de Lonergan transformar este ensaio de interpretações num filme, sob o signo cinematograficamente mainstream. Até porque o importante é chegar às audiências mais vastas e, porque não, miná-lo de flashbacks. A cortante e afiada fórmula narrativa parece despedaçar a minimalidade do enredo (pelo menos era o que julgávamos) e o plot twist precocemente concebido trai-nos e leva-nos a uma previsibilidade sem limites quanto aos modelos de redenção emocional.

 

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A viagem torna-se então atribulada, mas Casey Affleck é um resistente, a demonstrar que é um campeão no que requer a embater em filmes que, cada um à sua maneira, fogem da conformidade do espectador. Longe da obra-prima que fora catalogado, Manchester By the Sea é a presença de um actor pouco convencional nas tendências oscarizadas.

 

"I can't beat it. I can't beat it. I'm sorry."

 

Real.: Kenneth Lonergan / Int.: Casey Affleck, Michelle Williams, Kyle Chandler

 

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6/10
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publicado por Hugo Gomes às 23:26
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4.1.17
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Nos escritos do Presidente!

 

Se considerarmos Zeus um biopic é como se a banalizássemos perante os seus "primos" americanos (que segundo Tarantino são motivos para atores vencerem Óscares) e de alguns dos horrores nacionais que temos vindo a testemunhar nos últimos anos. A primeira longa-metragem de Paulo Filipe Monteiro é uma descoberta por um período quase negligenciado nos manuais de História e a ribalta de uma das figuras mais esquecidas no Portugal contemporâneo: um escritor de contos eróticos que ascende a Presidente de República; um homem que abandonou o seu cargo para poder viver no anonimato numa Argélia colonial. Trata-se de Manuel Teixeira Gomes, um ilustre caso de literatura nefelibata no nosso país, sendo que um filme sobre a sua personalidade requeria algo mais que somente fórmulas reutilizadas.

 

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Zeus não tenta de maneira nenhuma abandonar o seu estatuto de cinebiografia. A sua personalidade não o aflige como um caso único e inédito, quer no nosso panorama cinematográfico, quer em relação com o dito "World Cinema". Mas Paulo Filipe Monteiro tudo fez para o demarcar dos restantes produtos de linha de montagem que o subgénero tem atingido, e muito mais desligou-se da dependência televisiva que muito do cinema comercial português não consegue emancipar-se.

 

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Até aqui existem motivos para sorrir. Zeus não é uma bestialidade como as mais recentes biopics nacionais. Relembro que já tivemos um Salazar playboy, uma Amália sob toques de loucura, e sem esquecer a quimera envolta no escândalo de Carolina Salgado. Por sua vez temos uma produção singela, bem intencionada (visto que vem recriar um pedaço de História esquecida), e um trabalho dedicado e forte por parte do actor Sinde Filipe, que transforma Manuel Teixeira Gomes num patriarcal bon vivant. Em nota, temos uma notoriedade na caraterização (coisa rara no cinema português) e efeitos práticos que nunca cedem à tendência failsafe.

 

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O grande senão deste Zeus está naquilo que o realizador fortemente apostou, na narrativa dividida em três camadas, na constante oscilação, meio "salta-pocinhas", envolvida nas suas devidas particularidades (Ivo Canelas quebra a quarta barreira, a fotografia varia consoante a história centrada), porém, subentendidas numa conexão desfragmentada. Mas nada que nos impeça de usufruir dos propósitos desta recriação saudosista, com mais atenção à figura homenageada do que propriamente conceber-se numa incisão político-social de época. Se no caso do espectador é a procura do último ponto, então este não estará na sala certa.  

 

Real.: Paulo Filipe Monteiro / Int.: Sinde Filipe, Paulo Pires, Ivo Canelas, Carlotto Cota, Idir Benebouiche

 

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6/10

publicado por Hugo Gomes às 18:11
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3.1.17

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O credo de assassinos!

 

Videojogos e cinema são tão compatíveis como azeite e água, mas nos últimos tempos, em paralelismo com a evolução das adaptações de BD no grande ecrã, tais plataformas parecem ter, por fim, adquirido alguma linguagem cinematográfica … e sim … no cinema.

 

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Longe vão os tempos das marginais e trapaceiras conversões dos anos 80 e 90, hoje vistas como uma "espécie de paródias" (Double Dragon, Street Fighter e Super Mario Bros.), do low cost de Uwe Boll e das barafundas "sequelites" de Resident Evil. Pouco a pouco este subgénero mentalizava as suas próprias convenções cinematográficas, obviamente tendo cumplicidade com a grande indústria. Tal "marco" aconteceu no ano passado com a chegada do muito procrastinado Warcraft (que fora arrasado pela crítica norte-americana), o qual somaria um mais um nas equações relativas a grandes produções de Hollywood. Duncan Jones, assumido fã da franquia, torna o imaginário anteriormente regido ao campo dos videojogos em matéria fértil para adaptações emancipadoras. Finalmente, existiu uma mitologia "emprestada" própria que viabiliza o produto para uma vasta abrangência de audiências, sem condensá-lo a habituais "gamers". A seguir as pisadas de Warcraft surge-nos Assassin's Creed, a estadia do popular franchise da Ubisoft no grande ecrã, exercido e trabalhado como uma produção de alto nível técnico e recursivo.

 

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Michael Fassbender e Marion Cottilard são actores de lista A a protagonizarem este misto de épico e ficção cientifica de profunda influência na série B, se não fosse o macguffin ser verdadeiramente "patético". No seu todo, este é o tipo de entretenimento induzido a massas com mais perdas que ganhos, até porque a história é esquecível. Quem sobretudo joga sairá defraudado e a complexidade dos enredos dos títulos de videojogo são condenados a minimalismos preguiçosos.  

 

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Mas, e como sempre existe um mas, este Assassin's Creed preserva alguns atributos invejáveis e valiosos em comparação com a indústria actual. Entre elas está a dedicação empenhada na reconstituição histórica (apesar dos visuais serem demasiados escuros em conformação com o território flashback), e, nesse contexto, a preservação de uma linguagem nativa. Visto que este subenredo leva-nos aos tempos da inquisição espanhola e de uma Península Ibérica ainda dividida por reinos disputados, o castelhano é ouvido, por entre um elenco sobretudo espanhol e até mesmo na estrela Michael Fassbender.

 

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O actor, como é costume, resulta noutro arquétipo sofredor; o constante torturado como tem sido o habitual na sua carreira, e Cottilard, a instalar-se com algum carisma (e nada mais). Porém, a química de ambos é visível, e pudera, visto que contracenaram, sob as ordens do repetente Justin Kurzel, em Macbeth. O realizador deixa para trás Shakespeare para implantar Shakespeare numa produção que tinha tudo para "enfiar-se" na tragédia. Felizmente, não saiu-se tão grego nesse patamar, mas apesar dos valores de produção, Assassin's Creed está longe da bravura pelo qual foi apontado num subgénero "maldito" e resistente perante tais contratempos. 

 

Real.: Justin Kurzel / Int.: Michael Fassbender, Marion Cottilard, Jeremy Irons, Brendan Gleeson

 

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publicado por Hugo Gomes às 16:30
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21.12.16

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No Espaço ninguém pode sentir a sua solidão!

 

Para muitos, estar "isolado" com Jennifer Lawrence seria uma fantasia realizada. Para os espectadores de Passengers (Passageiros) é um turbilhão de emoções, e todos fora do campo positivo.

 

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Dirigido por Morten Tyldum, o mesmo realizador do bem-sucedido The Imitation Game, eis uma variação espacial de A Lagoa Azul com um dos casais mais esperados para os eternos deliciados em grandes produções de Hollywood. De um lado temos, como já havia referido, Lawrence a desempenhar a mulher mais intelectual num raio de anos-luz e Chris Pratt, o Starlord para adeptos da Marvel, como o Robison Crusoé espacial. Ambos são os únicos despertos numa nave espacial com destino a uma colónia do outro lado do Universo, trazendo a bordo milhares de passageiros, todos eles sob um tremendo estado de hibernação (e com o despertador programado para 90 anos depois).

 

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Pratt e Lawrence são o casal maravilha, e não é a química que o ordena, mas o isolamento, uma força imperativa que os junta de forma tão rotineira como qualquer romance de Nicholas Sparks. E como qualquer relação a dois, eis o terceiro elemento: um o andróide-barman com a face de Michael Sheen a servir de conselheiro matrimonial e de propaganda para os gastos no sector dos efeitos visuais.

 

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Passageiros é um filme vincado no star system com um enorme "apetite" para um enredo minimalista, se não fosse … aí está … Hollywood a fazer das suas e a tomar algo adquirido numa fórmula circense. No meio, temos o eventual "conflito": o A para B que coloca a vida dos nossos "passageiros" em risco e os heróis de ocasião, que tão bem acompanham o nosso pacote de pipocas. É um espectáculo visto e revisto, com todas os requisitos para romance descartável de grande ecrã e cameos involuntariamente hilariantes (actores de renome que servem de figurantes por 3 segundos).

 

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Resumindo, este é um filme que ousa em não sair da sua posição vampírica em relação às estrelas que a lideram. Vive e sobrevive dos protagonistas, e mostra-se sem "motor" para avançar delicadamente no espaço. Esqueçamos comparações com Moon ou até Sunshine. Isto é Hollywood na sua forma mais gratuita.

 

Real.: Morten Tyldum / Int.: Chris Pratt, Jennifer Lawrence, Michael Sheen, Laurence Fishburne, Andy Garcia

 

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publicado por Hugo Gomes às 18:27
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14.12.16

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A facturar com a nostalgia!

 

Há quem ainda acuse George Lucas de ter sido o "cancro" de uma saga tão querida para milhões. Desde a suas remasterizações e "remexidelas" na trilogia original em múltiplas edições de home video, até aos três filmes produzidos entre 1999 e 2005 que actualmente é esquecido por muitos. Mas não devemos ignorar, que apesar do resultado, Lucas tentou expandir o Universo que ele próprio criou com alguma inovação, quer tecnológica, quer narrativa.

 

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Porém, vivemos num Mundo onde a personalidade parece ser condenável, e depois de uma homage algo cobarde (diga-se por passagem), por parte de J.J. Abrams, chega-nos o intitulado Rogue One, uma referência no scroll credits de 1977 que originou um filme sob tons bélicos e de tamanha "piscadela de olhos" a temáticas politicas. Enfim, politicas e Disney nunca se misturaram, relembro o caso de Civil War onde super-heróis disputavam entre si consoante as suas fraudulentas ideologias. Neste Star Wars, tal é o fogo brando do extremismo oriental, como muito media ocidental parece insinuar, e o liberalismo em acordes de guerrilha-activista, que tenta soar com seriedade neste "world building" formatado.

 

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Contudo, Star Wars não é uma distopia politica sob o formato de sci-fy, é simplesmente a tentativa de vender e extrair até à última gota uma memória, uma nostalgia e um sentimento que muitos guardam fervorosamente dentro de si. O resultado não é um filme francamente mau em termos técnicos (tirando o uso e o abuso do motion capture para a ressurreição de personagens vencidas, até porque "Peter Cushing is not alive anymore"), é sim, uma réplica, uma obra despersonalizada exercida sobre personagens de tamanha causticidade na sua concepção. Nada de sólido, só "carne para canhão".

 

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Depois temos os inevitáveis cameos, o fan service a vingar sobre os fãs, e um enredo rotineiro que joga-se forçosamente na cronologia estrelar. Para nosso encanto, é mesmo Ben Mendelsohn a perpetuar como vilão de serviço (mas já está na hora de abandonar a "sacanice"), e a banda-sonora saudosista de Michael Giacchino que segue a tradição de John Williams. Mas fora isso, é a indústria megalómana comanda, transformando, o então astuto Gareth Edwards (que ressuscitou com algum agrado Godzilla em terras estadunienses), num mero "moço de recados".

 

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Temos que perdoar os pecados de George Lucas, ao menos ele trouxe uma breve sensação de novidade a um franchise, que não inventou o Cinema como muitos acreditam, mas que redefiniu os moldes do entretenimento cinematográfico para grandes massas. Sim, os fãs vão "venerar", mas Rogue One nada de relevante tem para o Cinema, e isso meus amigos, em épocas de produtos bem "lubrificados", não é nada.

 

"Make ten men feel like a hundred."

 

Real.: Gareth Andrews / Int.: Felicity Jones, Diego Luna, Alan Tudyk, Donnie Yen, Ben Mendelsohn, Forest Whitaker, Riz Ahmed, Mads Mikkelsen, Wen Jiang

 

rogueonefotos10.jpeg

 

 

4/10

publicado por Hugo Gomes às 17:58
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